WALT DISNEY (ANIMADOR ESTADUNIDENSE)

Walt Disney, animador, produtor de cinema e empreendedor americano, sorrindo em um retrato promocional, por volta de 1955.

• NOME COMPLETO: Walter Elias Disney
• NASCIMENTO: 5 de dezembro de 1901; Chicago, Illinois, Estados Unidos
• FALECIMENTO: 15 de dezembro de 1966 (65 anos); Burbank, Califórnia, Estados Unidos (Colapso circulatório)
• PSEUDÔNIMOS: Walt Tio Walt
• OCUPAÇÃO: Empreendedor, Magnata dos negócios, Animador, Dublador, Produtor, Diretor, Roteirista e Fundador da The Walt Disney Company
• FAMÍLIA: Elias Disney (pai), Flora Call (mãe), Herbert Arthur Disney (irmão), Raymond A. Disney (irmão), Roy O. Disney (irmão), Ruth Flora Disney (irmã), Lillian Disney (cônjuge; 1925–1966), Diane Disney Miller (filha), Sharon Disney Lund (filha adotiva), Roy E. Disney (sobrinho), Kepple Elias Disney (avô), Mary Richardson (avó)
• Netos:
• Diane Christopher D. Miller
• Joanna Miller
• Tamara Scheer
• Jennifer Miller-Goff
• Walter Elias Disney Miller
• Ronald Miller
• Patrick Miller
• Sharon: Victoria Diane Brown
• Brad Lund
• Michelle Lund
• ALTURA: 1,78 m

Walter Elias Disney (DIZ-nee; 1901 - 1966) foi um animador, produtor de cinema, dublador e empresário americano. Um pioneiro da indústria de animação americana, ele introduziu vários desenvolvimentos na produção de desenhos animados. Como produtor de cinema, ele detém o recorde de mais prêmios da Academia ganhos (22) e indicações (59) por um indivíduo. Ele foi presenteado com dois Prêmios de Realização Especial do Globo de Ouro e um Prêmio Emmy, entre outras honrarias. Vários de seus filmes estão incluídos no Registro Nacional de Filmes pela Biblioteca do Congresso e também foram nomeados como alguns dos maiores filmes de todos os tempos pelo Instituto Americano de Cinema.

Assinatura de Walt Disney em 18 de novembro de 1942.

BIOGRAFIA

Disney nasceu em 5 de dezembro de 1901, na 1249 Tripp Avenue, no bairro de Hermosa, em Chicago. Ele era o quarto filho de Elias Disney ‍—‌ nascido na Província do Canadá , de pais irlandeses‍ —‌ e Flora (née Call), uma americana de ascendência ALEMÃ E INGLESA. Além de Walt, os filhos de Elias e Flora foram Herbert, Raymond e Roy; e o casal teve uma quinta filha, Ruth, em dezembro de 1903. Em 1906, quando Disney tinha quatro anos, a família mudou-se para uma fazenda em Marceline, Missouri, onde seu tio Robert tinha acabado de comprar terras. Em Marceline, Disney desenvolveu seu interesse em desenho quando foi pago para desenhar o cavalo de um médico aposentado do bairro. Elias era assinante do jornal Appeal to Reason, e Disney praticava desenho copiando os desenhos de primeira página de Ryan Walker. Ele também começou a desenvolver a habilidade de trabalhar com aquarelas e giz de cera. Ele morava perto da linha ferroviária Atchison, Topeka e Santa Fe e se apaixonou por trens. Ele e sua irmã mais nova Ruth começaram a escola ao mesmo tempo na Park School em Marceline no final de 1909. A família Disney era membro ativo de uma igreja congregacional.

Em 1911, os Disneys se mudaram para Kansas City, Missouri. Lá, Disney frequentou a Benton Grammar School, onde conheceu seu colega Walter Pfeiffer, que vinha de uma família de fãs de teatro e o apresentou ao mundo do vaudeville e do cinema. Em pouco tempo, Disney estava passando mais tempo na casa dos Pfeiffers do que em casa. Elias havia comprado uma rota de entrega de jornais para o The Kansas City Star e o Kansas City Times. Disney e seu irmão Roy acordavam às 4h30 todas as manhãs para entregar o Times antes da escola e repetiam a rodada para o Star da noite depois da escola. A programação era exaustiva e Disney frequentemente recebia notas baixas depois de adormecer na aula, mas ele continuou sua rota de jornais por mais de seis anos. Ele frequentou cursos de sábado no Kansas City Art Institute e também fez um curso por correspondência em desenho animado.

Em 1917, Elias comprou ações de uma produtora de geleias de Chicago, a O-Zell Company, e voltou para Chicago com sua família. Disney matriculou-se na McKinley High School e tornou-se o cartunista do jornal da escola, desenhando imagens patrióticas sobre a Primeira Guerra Mundial; ele também fez cursos noturnos na Academia de Belas Artes de Chicago. Em meados de 1918, ele tentou se juntar ao Exército dos Estados Unidos para lutar contra os alemães, mas foi rejeitado por ser muito jovem. Depois de falsificar a data de nascimento em sua certidão de nascimento, ele se juntou à CRUZ VERMELHA em setembro de 1918 como motorista de ambulância. Ele foi enviado para a França, mas chegou em novembro, após o armistício. Ele desenhou cartuns na lateral de sua ambulância para decoração e teve alguns de seus trabalhos publicados no jornal do exército Stars and Stripes. Ele retornou a Kansas City em outubro de 1919, onde trabalhou como aprendiz de artista no Pesmen-Rubin Commercial Art Studio, onde desenhou ilustrações comerciais para publicidade, programas de teatro e catálogos, e fez amizade com o colega artista Ub Iwerks.

INÍCIO DA CARREIRA (1920–1928)

Em janeiro de 1920, com a queda da receita da Pesmen-Rubin após o Natal, Disney, com 18 anos, e Iwerks foram demitidos. Eles começaram seu próprio negócio, o efêmero Iwerks-Disney Commercial Artists. Não conseguindo atrair muitos clientes, Disney e Iwerks concordaram que Disney deveria sair temporariamente para ganhar dinheiro na Kansas City Film Ad Company, administrada por A. V. Cauger; no mês seguinte, Iwerks, que não conseguia administrar o negócio sozinho, também se juntou. A empresa produziu comerciais usando a técnica de animação de recorte. Disney se interessou por animação, embora preferisse desenhos animados como Mutt and Jeff e Out of the Inkwell de Max Fleischer. Com a ajuda de um livro emprestado sobre animação e uma câmera, ele começou a fazer experiências em casa. Ele chegou à conclusão de que a animação em celulas era mais promissora do que o método de recorte. Incapaz de persuadir Cauger a tentar animação cel na empresa, a Disney abriu um novo negócio com um colega de trabalho da Film Ad Co, Fred Harman. Seu principal cliente era o Newman Theater local, e os curtas-metragens que eles produziam eram vendidos como "Newman's Laugh-O-Grams". A Disney estudou as Fábulas de Esopo de Paul Terry como modelo, e os primeiros seis "Laugh-O-Grams" eram contos de fadas modernizados.

Em maio de 1921, o sucesso dos "Laugh-O-Grams" levou à criação do Laugh-O-Gram Studio, para o qual ele contratou mais animadores, incluindo o irmão de Fred Harman, Hugh, Rudolf Ising e Iwerks. Os desenhos animados do Laugh-O-Grams não forneceram renda suficiente para manter a empresa solvente, então a Disney começou a produção de Alice's Wonderland ‍—‌ baseado em Alice's Adventures in Wonderland ‍—‌ que combinava live action com animação; ele escalou Virginia Davis para o papel-título. O resultado, um filme de 12 minutos e meio, foi concluído tarde demais para salvar o Laugh-O-Gram Studio, que entrou em falência em 1923.

Disney mudou-se para Hollywood em julho de 1923 aos 21 anos. Embora Nova York fosse o centro da indústria dos desenhos animados, ele foi atraído para Los Angeles porque seu irmão Roy estava convalescendo de tuberculose lá, e ele esperava se tornar um diretor de filmes live-action. Os esforços de Disney para vender Alice's Wonderland foram em vão até que ele ouviu da distribuidora de filmes de Nova York Margaret J. Winkler. Ela estava perdendo os direitos dos desenhos animados Out of the Inkwell e Felix the Cat e precisava de uma nova série. Em outubro, eles assinaram um contrato para seis comédias de Alice, com uma opção para mais duas séries de seis episódios cada. Disney e seu irmão Roy formaram o Disney Brothers Studio —‌ que mais tarde se tornou a Walt Disney Company ‍—‌ para produzir os filmes; eles persuadiram Davis e sua família a se mudarem para Hollywood para continuar a produção, com Davis sob contrato de US$ 100 por mês. Em julho de 1924, a Disney também contratou Iwerks, persuadindo-o a se mudar de Kansas City para Hollywood. Em 1926, o primeiro estúdio oficial Walt Disney foi estabelecido na 2725 Hyperion Avenue; o prédio foi demolido em 1940.

Em 1926, o papel de Winkler na distribuição da série Alice foi entregue ao seu marido, o produtor de cinema Charles Mintz, embora o relacionamento entre ele e Disney às vezes fosse tenso. A série durou até julho de 1927, época em que Disney começou a se cansar dela e queria se afastar do formato misto para toda a animação. Depois que Mintz solicitou novo material para distribuir pela Universal Pictures, Disney e Iwerks criaram Oswald, o Coelho Sortudo, um personagem que Disney queria que fosse "animado, alerta, atrevido e aventureiro, mantendo-o também limpo e em forma".

Em fevereiro de 1928, a Disney esperava negociar uma taxa maior para produzir a série Oswald, mas descobriu que Mintz queria reduzir os pagamentos. Mintz também havia persuadido muitos dos artistas envolvidos a trabalhar diretamente para ele, incluindo Harman, Ising, Carman Maxwell e Friz Freleng. A Disney também descobriu que a Universal detinha os direitos de propriedade intelectual de Oswald. Mintz ameaçou abrir seu próprio estúdio e produzir a série ele mesmo se a Disney se recusasse a aceitar as reduções. A Disney recusou o ultimato de Mintz e perdeu a maior parte de sua equipe de animação, exceto Iwerks, que optou por permanecer com ele.

Criação do Mickey Mouse e sucessos subsequentes (1928–1934): Para substituir Oswald, Disney e Iwerks desenvolveram Mickey Mouse, possivelmente inspirado por um rato de estimação que Disney adotou enquanto trabalhava em seu estúdio Laugh-O-Gram, embora as origens do personagem não sejam claras. A escolha original do nome de Disney era Mortimer Mouse, mas sua esposa Lillian achou muito pomposo e sugeriu Mickey. Iwerks revisou os esboços provisórios de Disney para tornar o personagem mais fácil de animar. Disney, que havia começado a se distanciar do processo de animação, forneceu a voz de Mickey até 1947. Nas palavras de um funcionário da Disney, "Ub projetou a aparência física de Mickey, mas Walt deu a ele sua alma."

Mickey Mouse apareceu pela primeira vez em maio de 1928 como uma única exibição de teste do curta Plane Crazy, mas ele e o segundo longa, The Gallopin' Gaucho, não conseguiram encontrar um distribuidor. Após a sensação de 1927, The Jazz Singer, a Disney usou som sincronizado no terceiro curta, Steamboat Willie, para criar o primeiro desenho animado sonoro pós-produzido. Depois que a animação foi concluída, a Disney assinou um contrato com o ex-executivo da Universal Pictures, Pat Powers, para usar o sistema de gravação "Powers Cinephone"; A Cinephone se tornou a nova distribuidora dos primeiros desenhos animados sonoros da Disney, que logo se tornaram populares.

Para melhorar a qualidade da música, a Disney contratou o compositor e arranjador profissional Carl Stalling, por cuja sugestão a série Silly Symphony foi desenvolvida, fornecendo histórias através do uso da música; o primeiro da série, The Skeleton Dance (1929), foi desenhado e animado inteiramente por Iwerks. Também foram contratados nessa época vários artistas, tanto locais quanto de Nova York. Tanto a série Mickey Mouse quanto a Silly Symphonies foram bem-sucedidas, mas Disney e seu irmão sentiram que não estavam recebendo sua parte legítima dos lucros de Powers. Em 1930, a Disney tentou cortar custos do processo, instando Iwerks a abandonar a prática de desenhar cada quadro individualmente em favor da técnica mais eficiente de desenhar poses-chave e deixar assistentes esboçarem as poses intermediárias. A Disney pediu a Powers um aumento nos pagamentos pelos desenhos animados. Powers recusou e contratou Iwerks para trabalhar para ele; Stalling renunciou logo depois, pensando que sem Iwerks, o Disney Studio fecharia. Disney teve um colapso nervoso em outubro de 1931 - que ele atribuiu às maquinações de Powers e ao seu próprio excesso de trabalho - então ele e Lillian tiraram férias prolongadas em Cuba e fizeram um cruzeiro ao Panamá para se recuperarem.

Com a perda de Powers como distribuidor, os estúdios Disney assinaram um contrato com a Columbia Pictures para distribuir os desenhos animados do Mickey Mouse, que se tornaram cada vez mais populares, inclusive internacionalmente. Disney e sua equipe também introduziram novas estrelas de desenhos animados como Pluto em 1930, Pateta em 1932 e Pato Donald em 1934. Sempre interessado em abraçar novas tecnologias e encorajado por seu novo contrato com a United Artists, Disney filmou Flowers and Trees (1932) em três tiras coloridas Technicolor; ele também foi capaz de negociar um acordo que lhe dava o direito exclusivo de usar o processo de três tiras até 31 de agosto de 1935. Todos os desenhos animados subsequentes da Silly Symphony eram coloridos. Flores e Árvores foi popular entre o público e ganhou o Oscar inaugural de melhor curta-metragem (desenho animado) na cerimônia de 1932. A Disney havia sido indicada para outro filme nessa categoria, Mickey's Orphans, e recebeu um prêmio honorário "pela criação do Mickey Mouse".

Em 1933, a Disney produziu Os Três Porquinhos , um filme descrito pelo historiador da mídia Adrian Danks como "o curta de animação de maior sucesso de todos os tempos". O filme rendeu à Disney outro Oscar na categoria Curta-Metragem (Desenho Animado). O sucesso do filme levou a um novo aumento na equipe do estúdio, que chegava a quase 200 no final do ano. Disney percebeu a importância de contar histórias emocionantes que interessassem ao público, e investiu em um "departamento de história" separado dos animadores, com artistas de storyboard que detalhariam os enredos dos filmes da Disney.

ERA DE OURO DA ANIMAÇÃO (1934–1941)

Em 1934, a Disney ficou insatisfeita com a produção de curtas-metragens de desenho animado, e acreditava que um desenho animado de longa-metragem seria mais lucrativo. O estúdio iniciou a produção de quatro anos de Branca de Neve e os Sete Anões, baseado no conto de fadas. Quando as notícias vazaram sobre o projeto, muitos na indústria cinematográfica previram que levaria a empresa à falência; os especialistas da indústria o apelidaram de "Disney's Folly". O filme, que foi o primeiro longa-metragem de animação feito em cores e som, custou US$ 1,5 milhão para ser produzido — três vezes acima do orçamento. Para garantir que a animação fosse o mais realista possível, a Disney enviou seus animadores para cursos no Chouinard Art Institute; ele trouxe animais para o estúdio e contratou atores para que os animadores pudessem estudar movimentos realistas. Para retratar a perspectiva mutável do fundo conforme uma câmera se movia por uma cena, os animadores da Disney desenvolveram uma câmera multiplano que permitia que desenhos em pedaços de vidro fossem colocados a várias distâncias da câmera, criando uma ilusão de profundidade. O vidro podia ser movido para criar a impressão de uma câmera passando pela cena. O primeiro trabalho criado na câmera — uma Silly Symphony chamada The Old Mill (1937) — ganhou o Oscar de Curta-Metragem de Animação por causa de seu impressionante poder visual. Embora Branca de Neve já estivesse praticamente terminada quando a câmera multiplano foi concluída, a Disney ordenou que algumas cenas fossem redesenhadas para usar os novos efeitos.

Branca de Neve estreou em dezembro de 1937 com grandes elogios da crítica e do público. O filme se tornou o filme de maior sucesso de 1938 e em maio de 1939 sua arrecadação total de US$ 6,5 milhões o tornou o filme sonoro de maior sucesso feito até aquela data. A Disney ganhou outro Oscar honorário, que consistia em uma estatueta do Oscar em tamanho real e sete em miniatura. O sucesso de Branca de Neve anunciou uma das eras mais produtivas para o estúdio; o Walt Disney Family Museum chama os anos seguintes de "a 'Era de Ouro da Animação'". Com o trabalho em Branca de Neve concluído, o estúdio começou a produzir Pinóquio no início de 1938 e Fantasia em novembro do mesmo ano. Ambos os filmes foram lançados em 1940 e nenhum deles teve um bom desempenho de bilheteria - em parte porque as receitas da Europa caíram após o início da Segunda Guerra Mundial em 1939. O estúdio teve prejuízo em ambos os filmes e estava profundamente endividado no final de fevereiro de 1941.

Em resposta à crise financeira, Disney e seu irmão Roy iniciaram a primeira oferta pública de ações da empresa em 1940 e implementaram cortes salariais pesados. Esta última medida, e a maneira às vezes autoritária e insensível de Disney lidar com a equipe, levaram a uma greve de animadores em 1941, que durou cinco semanas. Enquanto um mediador federal do National Labor Relations Board negociava com os dois lados, Disney aceitou uma oferta do Gabinete do Coordenador de Assuntos Interamericanos para fazer uma viagem de boa vontade à América do Sul, garantindo que ele estivesse ausente durante uma resolução que ele sabia que seria desfavorável ao estúdio. Devido à greve — e ao estado financeiro da empresa — vários animadores deixaram o estúdio, e o relacionamento de Disney com outros membros da equipe ficou permanentemente tenso como resultado. A greve interrompeu temporariamente a próxima produção do estúdio, Dumbo (1941), que a Disney produziu de maneira simples e barata; o filme recebeu uma reação positiva do público e da crítica.

Segunda Guerra Mundial e além (1941–1950): Pouco depois do lançamento de Dumbo em outubro de 1941, os EUA entraram na Segunda Guerra Mundial. A Disney formou a Walt Disney Training Films Unit dentro da empresa para produzir filmes de instrução para os militares, como Four Methods of Flush Riveting e Aircraft Production Methods. A Disney também se encontrou com Henry Morgenthau Jr., o Secretário do Tesouro, e concordou em produzir curtas-metragens do Pato Donald para promover títulos de guerra. A Disney também produziu várias produções de propaganda , incluindo curtas-metragens como Der Fuehrer's Face — que ganhou um Oscar — e o longa-metragem de 1943 Victory Through Air Power.

Os filmes militares geraram apenas receita suficiente para cobrir os custos, e o longa-metragem Bambi ‍—‌ que estava em produção desde 1937‍—‌ teve um desempenho inferior em seu lançamento em agosto de 1942 e perdeu US$ 200.000 nas bilheterias. Além dos baixos lucros de Pinóquio e Fantasia, a empresa tinha dívidas de US$ 4 milhões com o Bank of America em 1944. Em uma reunião com executivos do Bank of America para discutir o futuro da empresa, o presidente e fundador do banco, Amadeo Giannini, disse a seus executivos: "Tenho observado os filmes da Disney de perto porque sabia que estávamos emprestando a eles dinheiro muito acima do risco financeiro. ... Eles são bons este ano, são bons no ano que vem e são bons no ano seguinte. ... Você tem que relaxar e dar a eles tempo para comercializar seu produto." A produção de curtas-metragens da Disney diminuiu no final da década de 1940, coincidindo com a crescente concorrência no mercado de animação da Warner Bros. e da Metro-Goldwyn-Mayer. Roy Disney, por razões financeiras, sugeriu mais produções combinadas de animação e live-action. Em 1948, a Disney iniciou uma série de populares filmes de natureza live-action, intitulados True-Life Adventures, com Seal Island o primeiro; o filme ganhou o Oscar na categoria Melhor Curta-Metragem (Dois Rolos).

Parques temáticos, televisão e outros interesses (1950–1966): No início de 1950, Disney produziu Cinderela, o primeiro longa-metragem de animação de seu estúdio em oito anos. Foi popular entre os críticos e o público do teatro. Custando US$ 2,2 milhões para ser produzido, arrecadou quase US$ 8 milhões em seu primeiro ano. Disney estava menos envolvido do que com filmes anteriores por causa de seu envolvimento em seu primeiro longa-metragem inteiramente live-action, A Ilha do Tesouro (1950), que foi filmado na Grã-Bretanha, assim como A História de Robin Hood e Seus Homens Alegres (1952). Outros longas-metragens totalmente live-action se seguiram, muitos dos quais tinham temas patrióticos. Ele continuou a produzir longas-metragens de animação também, incluindo Alice no País das Maravilhas (1951) e Peter Pan (1953). Do início a meados da década de 1950, a Disney começou a dedicar menos atenção ao departamento de animação, confiando a maior parte de suas operações aos seus principais animadores, os Nove Velhos, embora ele estivesse sempre presente nas reuniões de história. Em vez disso, ele começou a se concentrar em outros empreendimentos. Na mesma época, a Disney estabeleceu sua própria divisão de distribuição de filmes, a Buena Vista, substituindo sua distribuidora mais recente, a RKO Pictures.

Por vários anos, Disney estava considerando construir um parque temático. Quando ele visitou o Griffith Park em Los Angeles com suas filhas, ele queria estar em um parque limpo e intocado, onde tanto as crianças quanto seus pais pudessem se divertir. Ele visitou os Jardins Tivoli em Copenhague, Dinamarca, e foi fortemente influenciado pela limpeza e layout do parque. Em março de 1952, ele recebeu permissão de zoneamento para construir um parque temático em Burbank, perto dos estúdios Disney. Este local provou ser muito pequeno, e um terreno maior em Anaheim, 35 milhas (56 km) ao sul do estúdio, foi comprado. Para distanciar o projeto do estúdio - o que poderia atrair as críticas dos acionistas - Disney formou a WED Enterprises (agora Walt Disney Imagineering) e usou seu próprio dinheiro para financiar um grupo de designers e animadores para trabalhar nos planos; os envolvidos ficaram conhecidos como "Imagineers". Após obter financiamento bancário, ele convidou outros acionistas, a American Broadcasting-Paramount Theatres ‍—‌ parte da American Broadcasting Company (ABC)‍ —‌ e a Western Printing and Lithographing Company. Em meados de 1954, a Disney enviou seus Imagineers a todos os parques de diversões dos EUA para analisar o que funcionava e quais armadilhas ou problemas havia nos vários locais e incorporou suas descobertas em seu projeto. As obras de construção começaram em julho de 1954 e a Disneylândia foi inaugurada em julho de 1955; a cerimônia de abertura foi transmitida pela ABC, que atingiu 70 milhões de espectadores. O parque foi projetado como uma série de terras temáticas, ligadas pela Main Street central, EUA ‍—‌ uma réplica da rua principal de sua cidade natal, Marceline. As áreas temáticas conectadas eram Adventureland, Frontierland, Fantasyland e Tomorrowland. O parque também continha a ferrovia de bitola estreita Disneyland Railroad que ligava as terras; ao redor do parque havia uma berma alta para separar o parque do mundo exterior. Um editorial no The New York Timesconsiderou que a Disney tinha "combinado com bom gosto algumas das coisas agradáveis de ontem com a fantasia e os sonhos de amanhã".  Embora tenha havido pequenos problemas iniciais com o parque, foi um sucesso e, após um mês de operação, a Disneylândia recebia mais de 20.000 visitantes por dia; no final do primeiro ano, atraiu 3,6 milhões de visitantes.

O dinheiro da ABC dependia dos programas de televisão da Disney. O estúdio esteve envolvido num especial de televisão de sucesso no dia de Natal de 1950 sobre a produção de Alice no País das Maravilhas. Roy acreditava que o programa acrescentava milhões à receita de bilheteira. Numa carta aos acionistas de março de 1951, escreveu que "a televisão pode ser um meio de vendas muito poderoso para nós, bem como uma fonte de receitas. Será provavelmente com base nesta premissa que entraremos na televisão quando o fizermos". Em 1954, após o financiamento da Disneylândia ter sido acordado, a ABC transmitiu Walt Disney's Disneyland, uma antologia composta por desenhos animados, filmes de ação ao vivo e outros materiais da biblioteca do estúdio. O programa foi bem-sucedido em termos de audiência e lucros, obtendo uma quota de audiência superior a 50%. Em abril de 1955, a Newsweek chamou à série de "instituição americana". A ABC ficou satisfeita com as avaliações, o que levou ao primeiro programa de televisão diário da Disney, The Mickey Mouse Club, um programa de variedades voltado especificamente para crianças. O programa foi acompanhado de merchandising por meio de várias empresas (a Western Printing, por exemplo, produzia livros de colorir e quadrinhos há mais de 20 anos e produziu vários itens relacionados ao programa). Um dos segmentos da Disneylândia consistia na minissérie de cinco partes Davy Crockett que, de acordo com o biógrafo da Disney, Neal Gabler, "se tornou uma sensação da noite para o dia". A música tema do programa, "The Ballad of Davy Crockett", tornou-se internacionalmente popular e dez milhões de discos foram vendidos. Como resultado, a Disney formou sua própria entidade de produção e distribuição de discos, a Disneyland Records.

Além da construção da Disneylândia, Disney trabalhou em outros projetos fora do estúdio. Ele foi consultor da Exposição Nacional Americana de 1959 em Moscou; a contribuição dos estúdios Disney foi America the Beautiful, um filme de 19 minutos no teatro Circarama de 360 graus que foi uma das atrações mais populares. No ano seguinte, ele atuou como presidente do Comitê de Desfile para as Olimpíadas de Inverno de 1960 em Squaw Valley, Califórnia, onde projetou as cerimônias de abertura, encerramento e medalhas. Ele foi um dos doze investidores do Celebrity Sports Center, inaugurado em 1960 em Glendale, Colorado; ele e Roy compraram os outros em 1962, tornando a empresa Disney a única proprietária.

Apesar das demandas geradas por projetos fora do estúdio, Disney continuou a trabalhar em projetos de cinema e televisão. Em 1955, ele esteve envolvido em "Man in Space", um episódio da série Disneyland, que foi feito em colaboração com o designer de foguetes da NASA, Wernher von Braun. Disney também supervisionou aspectos dos longas-metragens A Dama e o Vagabundo (o primeiro filme de animação em CinemaScope) em 1955, A Bela Adormecida (o primeiro filme de animação em Technirama 70 mm) em 1959, Cento e Um Dálmatas (o primeiro longa-metragem de animação a usar células Xerox) em 1961, e A Espada Era a Lei em 1963.

Em 1964, a Disney produziu Mary Poppins, baseado na série de livros de PL Travers; ele estava tentando adquirir os direitos da história desde a década de 1940. Tornou-se o filme da Disney de maior sucesso da década de 1960, embora Travers não gostasse do filme intensamente e se arrependesse de ter vendido os direitos. No mesmo ano, ele também se envolveu em planos para expandir o Instituto de Artes da Califórnia (coloquialmente chamado de CalArts), e teve um arquiteto elaborando projetos para um novo prédio.

A Disney forneceu quatro exibições para a Feira Mundial de Nova York de 1964, para a qual obteve financiamento de patrocinadores corporativos selecionados. Para a PepsiCo, que planejou uma homenagem à UNICEF, a Disney desenvolveu It's a Small World, um passeio de barco com bonecos audioanimatrônicos representando crianças do mundo; Great Moments with Mr. Lincoln continha um Abraham Lincoln animatrônico dando trechos de seus discursos; Carousel of Progress promoveu a importância da eletricidade; e o Magic Skyway da Ford retratou o progresso da humanidade. Elementos de todas as quatro exibições — principalmente conceitos e tecnologia — foram reinstalados na Disneylândia, embora It's a Small World seja o passeio que mais se assemelha ao original.

Durante o início e meados da década de 1960, a Disney desenvolveu planos para um resort de esqui em Mineral King, um vale glacial na Sierra Nevada da Califórnia. Ele contratou especialistas como o treinador de esqui olímpico e designer de áreas de esqui Willy Schaeffler. Com a renda da Disneylândia representando uma proporção crescente da renda do estúdio, a Disney continuou a procurar locais para outras atrações. Em 1963, ele apresentou um projeto para criar um parque temático no centro de St. Louis, Missouri; ele inicialmente chegou a um acordo com a Civic Center Redevelopment Corp, que controlava a terra, mas o negócio mais tarde fracassou devido ao financiamento. No final de 1965, ele anunciou planos para desenvolver outro parque temático a ser chamado de "Disney World" (agora Walt Disney World), a poucos quilômetros a sudoeste de Orlando, Flórida. O Disney World incluiria o "Magic Kingdom" — uma versão maior e mais elaborada da Disneylândia — além de campos de golfe e hotéis resort. O coração do Disney World seria a "Comunidade Protótipo Experimental do Amanhã" (EPCOT), que ele descreveu como:

“uma comunidade protótipo experimental do amanhã que se inspirará nas novas ideias e novas tecnologias que agora emergem dos centros criativos da indústria americana. Será uma comunidade do amanhã que nunca estará completa, mas estará sempre introduzindo, testando e demonstrando novos materiais e sistemas. E o EPCOT será sempre uma vitrine para o mundo da engenhosidade e imaginação da livre iniciativa americana.”

— Beard 1982, p. 11.

Durante 1966, a Disney cultivou negócios dispostos a patrocinar o EPCOT. Ele recebeu um crédito de história no filme de 1966, Tenente Robin Crusoe, USN comoRetlaw Yensid, seu nome escrito ao contrário. Ele aumentou seu envolvimento nos filmes do estúdio e esteve fortemente envolvido no desenvolvimento da história de The Jungle Book, o longa-metragem musical live-action The Happiest Millionaire (ambos de 1967) e o curta de animação Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968).

DOENÇA, MORTE E CONSEQUÊNCIAS

Disney era um FUMANTE INVETERADO desde a Primeira Guerra Mundial (1914—1918). Ele não usava cigarros com filtros e fumava cachimbo quando jovem. No início de novembro de 1966, ele foi diagnosticado com câncer de pulmão e foi tratado com terapia de cobalto. Em 30 de novembro, ele se sentiu mal e foi levado de ambulância de sua casa para o Hospital St. Joseph, onde, em 15 de dezembro, aos 65 anos, morreu de colapso circulatório causado pelo câncer. Seus restos mortais foram cremados dois dias depois e suas cinzas enterradas no Forest Lawn Memorial Park em Glendale, Califórnia.

O lançamento de O Livro da Selva e O Milionário Mais Feliz em 1967 elevou o número total de longas-metragens em que a Disney esteve envolvida para 81. Quando Ursinho Pooh e o Dia Tempestade foi lançado em 1968, rendeu à Disney um Oscar na categoria Curta-Metragem (Desenho Animado), concedido postumamente. Após a morte de Disney, seus estúdios continuaram a produzir filmes de ação ao vivo prolificamente, enquanto a qualidade de seus filmes de animação foi deixada de lado. No final da década de 1980, essa tendência foi revertida no que o The New York Times descreve como o "Renascimento da Disney", que começou com A Pequena Sereia (1989). Os estúdios da Disney continuam a produzir filmes, televisão e entretenimento teatral de sucesso.

Os planos da Disney para a cidade futurista de EPCOT não se concretizaram. Após a morte de Disney, seu irmão Roy adiou sua aposentadoria para assumir o controle total das empresas Disney. Ele mudou o foco do projeto de uma cidade para uma atração. Na inauguração em 1971, Roy dedicou o Walt Disney World ao seu irmão. O Walt Disney World se expandiu com a abertura do Epcot Center em 1982; a visão de Walt Disney de uma cidade funcional foi substituída por um parque mais parecido com uma feira mundial permanente. Em 2009, o Walt Disney Family Museum, projetado pela filha de Disney, Diane, e seu filho Walter ED Miller, foi inaugurado no Presídio de São Francisco. Milhares de artefatos da vida e carreira de Disney estão em exibição, incluindo vários prêmios que ele recebeu. Em 2014, os parques temáticos da Disney em todo o mundo receberam aproximadamente 134 milhões de visitantes.

VIDA PESSOAL

No início de 1925, a Disney contratou uma artista de tinta, Lillian Bounds. Eles se casaram em julho daquele ano, na casa de seu irmão em sua cidade natal, Lewiston, Idaho. O casamento foi geralmente feliz, de acordo com Lillian, embora de acordo com o biógrafo da Disney, Neal Gabler, ela não "aceitasse as decisões de Walt docilmente ou seu status inquestionavelmente, e ela admitiu que ele estava sempre dizendo às pessoas 'como ele é DOMINADOR'." Lillian tinha pouco interesse em filmes ou na cena social de Hollywood e ela estava, nas palavras do historiador Steven Watts, "contente com a administração doméstica e fornecendo suporte para seu marido". Seu casamento produziu duas filhas, Diane (nascida em dezembro de 1933) e Sharon (adotada em dezembro de 1936, nascida seis semanas antes). Dentro da família, nem Disney nem sua esposa esconderam o fato de Sharon ter sido adotada, embora ficassem irritados se pessoas de fora da família levantassem o assunto. Os Disneys tiveram o cuidado de manter suas filhas longe dos olhos do público tanto quanto possível, especialmente à luz do sequestro de Lindbergh; Disney tomou medidas para garantir que suas filhas não fossem fotografadas pela imprensa.

Em 1949, Disney e sua família se mudaram para uma nova casa no distrito de Holmby Hills, em Los Angeles. Com a ajuda de seus amigos Ward e Betty Kimball, que já tinham sua própria ferrovia no quintal, Disney desenvolveu projetos e imediatamente começou a trabalhar na criação de uma ferrovia a vapor em miniatura para seu quintal. O nome da ferrovia, Carolwood Pacific Railroad, veio da localização de sua casa na Carolwood Drive. A locomotiva a vapor em miniatura foi construída pelo engenheiro da Disney Studios, Roger E. Broggie, e Disney a batizou de Lilly Belle em homenagem à sua esposa; depois de três anos, Disney a ordenou para armazenamento devido a uma série de acidentes envolvendo seus convidados.

Disney tornou-se mais conservador politicamente à medida que envelhecia. Apoiador do Partido Democrata até à eleição presidencial de 1940, quando mudou de lado para o Partido Republicano, tornou-se um generoso doador para a candidatura de Thomas E. Dewey à presidência em 1944. Disney envolveu-se em acção racista em resposta a acções trabalhistas organizadas contra a sua empresa. Em 1941, pagou por um anúncio de página inteira na Variety, alegando que a "agitação comunista" era responsável por uma greve de cartunistas contra ele. Em 1946, foi um dos membros fundadores da Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals, uma organização que declarou que "acreditava e gostava do American Way of Life... encontramo-nos numa forte revolta contra uma maré crescente de comunismo, fascismo e crenças afins, que procuram, por meios subversivos, minar e mudar este modo de vida". Em 1947, durante o Segundo Pânico Vermelho, Disney testemunhou perante o Comitê de Atividades Antiamericanas da Câmara (HUAC), onde rotulou Herbert Sorrell, David Hilberman e William Pomerance, ex-animadores e organizadores sindicais, como agitadores comunistas; Disney afirmou que a greve de 1941 liderada por eles foi parte de um esforço comunista organizado para ganhar influência em Hollywood.

O New York Times relatou em 1993 que Disney tinha sido um informante do FBI passando informações secretas para J. Edgar Hoover sobre atividades comunistas em Hollywood. No entanto, enquanto Walt Disney foi nomeado um "Agente Especial em Contato Responsável" em 1954, oficiais do FBI afirmam que este era em grande parte um título honorário regularmente concedido a membros de uma comunidade que poderiam ser úteis para o bureau. O FBI desclassificou e divulgou o arquivo de Walt Disney em seu site e revelou que grande parte da correspondência de Disney com o bureau (por meio de pessoal do estúdio) estava relacionada à produção de filmes educacionais; como uma certa parcela dos segmentos de noticiário "Career Day" no The Mickey Mouse Club com foco no bureau (que foi ao ar em janeiro de 1958), bem como um curta educacional não feito de 1961 alertando as crianças sobre os perigos do ABUSO INFANTIL.

A persona pública de Disney era muito diferente de sua personalidade real. O dramaturgo Robert E. Sherwood o descreveu como "quase dolorosamente tímido... tímido" e autodepreciativo. De acordo com seu biógrafo Richard Schickel, Disney escondeu sua personalidade tímida e insegura por trás de sua identidade pública. Kimball argumenta que Disney "desempenhou o papel de um magnata tímido que ficava envergonhado em público" e sabia que estava fazendo isso. Disney reconheceu a fachada e disse a um amigo que "Eu não sou Walt Disney. Eu faço muitas coisas que Walt Disney não faria. Walt Disney não fuma. Eu fumo. Walt Disney não bebe. Eu bebo." O crítico Otis Ferguson, em The New Republic, chamou o Disney privado de: "comum e cotidiano, não inacessível, não em uma língua estrangeira, não suprimido ou patrocinado ou qualquer coisa. Apenas Disney." Muitos daqueles com quem Disney trabalhou comentaram que ele dava pouco incentivo à sua equipe devido às suas expectativas excepcionalmente altas. Norman lembra que quando Disney dizia "Isso vai funcionar", era uma indicação de grande elogio. Em vez de aprovação direta, Disney dava bônus financeiros aos funcionários de alto desempenho ou recomendava certos indivíduos a outros, esperando que seus elogios fossem repassados.

REPUTAÇÃO

As visões de Disney e seu trabalho mudaram ao longo das décadas, e houve opiniões polarizadas. Mark Langer, no American Dictionary of National Biography, escreve que "Avaliações anteriores de Disney o saudaram como um patriota, artista popular e divulgador da cultura. Mais recentemente, Disney tem sido considerado um paradigma do imperialismo e da intolerância americanos, bem como um degradador da cultura." Steven Watts escreveu que alguns denunciam Disney "como um manipulador cínico de fórmulas culturais e comerciais", enquanto a PBS registra que os críticos censuraram seu trabalho por causa de sua "fachada suave de sentimentalismo e otimismo teimoso, sua reescrita bem-humorada da história americana".

Disney foi acusado de antissemitismo por ter dado à propagandista nazista Leni Riefenstahl um tour por seu estúdio um mês após a Kristallnacht. O convite de Riefenstahl foi solicitado à Disney pelo pintor e bailarino Hurbert "Jay" Stowitts, um amigo próximo de Riefenstahl e ex-colega de Leopold Stokowski, que na época estava colaborando com a Disney em Fantasia. Um mês depois, um porta-voz da Disney disse ao New York Daily News: "A Srta. Riefenstahl entrou no estúdio, mas arrombou o portão. Um homem de Los Angeles conhecido da Disney obteve permissão para levar uma festa pela fábrica. Leni estava na festa. Se soubéssemos disso com antecedência, ela não teria entrado." O historiador de animação Jim Korkis, teoriza que a Disney também pode ter se encontrado com Riefenstahl por razões financeiras: como uma tentativa da Disney de recuperar mais de 135.000 Reichsmarks devidos por seu distribuidor de filmes alemão e para fazer com que a proibição de filmes da Disney fosse suspensa na Alemanha. O animador Art Babbitt, organizador por trás da greve de 1941 no estúdio e que guardava um rancor bem conhecido contra a Disney, afirmou em seus últimos anos que viu Disney e seu advogado participarem de reuniões do German American Bund uma organização pró-nazista, no final da década de 1930. No entanto, de acordo com o biógrafo da Disney, Neal Gabler: "... isso era altamente improvável, não apenas porque Walt tinha pouco tempo para sua família, muito menos para reuniões políticas, mas porque ele não tinha nenhuma inclinação política real na época." O livro de compromissos do escritório da Disney não menciona a sua presença nos comícios do Bund, e nenhum outro funcionário afirmou alguma vez que ele tenha participado nessas reuniões.

De acordo com Gabler, Disney era apolítico e "um tanto ingênuo politicamente" durante a década de 1930 e ele havia dito anteriormente a um repórter - enquanto as tensões na Europa estavam crescendo - que a América deveria "deixá-los lutar suas próprias guerras", alegando que ele havia "aprendido minha lição" da Primeira Guerra Mundial. Gabler também observou que no final de 1939, Disney estava revisando uma maquete de um novo estúdio a ser construído em Burbank, quando um animador de repente perguntou a ele como a guerra recentemente iniciada na Europa afetaria sua construção - ao que Disney respondeu perguntando: "Que guerra?" Durante a Segunda Guerra Mundial, Disney esteve ativamente envolvido na produção de filmes de propaganda contra os nazistas, tanto para o público em geral (como Der Fuehrer's Face e Education for Death), quanto para filmes educacionais e de treinamento exclusivamente para o governo dos Estados Unidos. Já em outubro de 1940 (mais de um ano antes da entrada dos Estados Unidos na guerra), Disney começou a angariar contratos de vários ramos das Forças Armadas dos Estados Unidos para fazer filmes de treinamento, e em março de 1941 ele realizou um almoço com representantes do governo oferecendo formalmente seus serviços "...para as indústrias de defesa nacional a preço de custo e sem lucro. Ao fazer esta oferta, sou motivado apenas pelo desejo de ajudar da melhor forma possível na emergência atual." Esses filmes de treinamento continham informações altamente confidenciais e exigiam o mais alto nível de autorização de segurança para serem vistos. Se Disney tivesse alguma simpatia anterior pelo nazismo, o governo dos EUA o teria desqualificado de fazer esses filmes.

O Walt Disney Family Museum reconhece que estereótipos étnicos comuns aos filmes da década de 1930 foram incluídos em alguns dos primeiros desenhos animados, mas também aponta que Disney doava regularmente para instituições de caridade judaicas e foi nomeado o "Homem do Ano" de 1955 pelo capítulo B'nai B'rith em Beverly Hills. A própria organização não encontrou evidências de antissemitismo por parte de Disney. A placa dizia: "Por exemplificar os melhores princípios da cidadania americana e da compreensão intergrupal e interpretar em ação os ideais da B'nai B'rith." A Disney tinha vários funcionários judeus, muitos dos quais estavam em posições influentes. Nenhum dos funcionários da Disney - incluindo o animador Art Babbitt , que não gostava muito de Disney - jamais o acusou de fazer insultos ou provocações antissemitas. O contador de histórias judeu Joe Grant, que trabalhou em estreita colaboração com a Disney durante as décadas de 1930 e 1940, declarou: "No que me diz respeito, não havia evidências de antissemitismo. Acho que toda a ideia deveria ser deixada de lado e enterrada profundamente. Ele não era antissemita. Algumas das pessoas mais influentes do estúdio eram judias. É muito barulho por nada. Nunca tive problemas com ele dessa forma." Além disso, o compositor Robert B. Sherman lembrou que quando um dos advogados da Disney fez comentários antissemitas em relação a ele e seu irmão Richard, a Disney os defendeu e demitiu o advogado. Gabler, o primeiro escritor a obter acesso irrestrito aos arquivos da Disney, conclui que as evidências disponíveis não sustentam acusações de antissemitismo e que Disney adquiriu essa reputação em grande parte devido à sua associação com a Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals – uma organização anticomunista formada em 1944, que havia rumores de ter conotações antissemitas. Gabler conclui que "... embora o próprio Walt, na minha opinião, não fosse antissemita, ele se aliou voluntariamente a pessoas que eram antissemitas, e essa reputação permaneceu. Ele nunca foi realmente capaz de expurgá-la ao longo de sua vida." Disney se distanciou da Motion Picture Alliance e não teve envolvimento com a organização após 1947. De acordo com a filha de DisneyDiane Disney-Miller e sua irmã Sharon namoraram um namorado judeu por um período de tempo, ao qual seu pai não levantou objeções e até mesmo disse: "Sharon, acho maravilhoso como essas famílias judias aceitaram você."

Disney também foi acusado de outras formas de racismo porque algumas de suas produções lançadas entre as décadas de 1930 e 1950 contêm material racialmente insensível. Gabler argumenta que "Walt Disney NÃO ERA RACISTA. Ele nunca, nem em público nem em privado, fez comentários depreciativos sobre os negros ou afirmou a superioridade branca. Como a maioria dos americanos brancos de sua geração, no entanto, ele era racialmente insensível." O longa-metragem Song of the South foi criticado por críticos de cinema contemporâneos, a NAACP e outros por sua perpetuação de ESTEREÓTIPOS NEGROS, mas durante as filmagens Disney se tornou amigo próximo de sua estrela, James Baskett, descrevendo-o em uma carta para sua irmã Ruth como "o melhor ator, eu acredito, a ser descoberto em anos." Disney e Baskett mantiveram contato muito tempo depois da produção do filme, com Walt até mesmo enviando presentes para ele. Quando Baskett estava com a saúde debilitada, a Disney não só começou a apoiá-lo financeiramente e à sua família, mas também fez campanha com sucesso por um Oscar honorário por sua atuação, tornando Baskett o primeiro ator negro a ser homenageado. Baskett morreu logo depois, e sua viúva escreveu à Disney uma carta de gratidão por seu apoio, alegando que ele tinha sido um "amigo de fato e [nós] certamente estivemos em necessidade". Floyd Norman, o primeiro animador negro do estúdio que trabalhou em estreita colaboração com a Disney durante as décadas de 1950 e 1960, disse: "Nem uma vez observei um indício do comportamento racista do qual Walt Disney foi frequentemente acusado após sua morte. Seu tratamento às pessoas - e com isso quero dizer todas as pessoas - só pode ser chamado de exemplar".

Watts argumenta que muitos dos filmes da Disney pós-Segunda Guerra Mundial "legislaram uma espécie de Plano Marshall cultural . Eles nutriram um imperialismo cultural genial que magicamente invadiu o resto do globo com os valores, expectativas e bens de uma próspera classe média dos Estados Unidos." O historiador de cinema Jay P. Telotte reconhece que muitos veem o estúdio da Disney como um "agente de manipulação e repressão", embora ele observe que ele "trabalhou ao longo de sua história para vincular seu nome a noções de diversão, família e fantasia". John Tomlinson, em seu estudo Imperialismo Cultural, examina o trabalho de Ariel Dorfman e Armand Mattelart, cujo livro de 1971 Para leer al Pato Donald (trad. Como Ler o Pato Donald) identifica que existem "valores imperialistas ... 'escondidos' por trás da fachada inocente e saudável do mundo de Walt Disney"; isto, argumentam eles, é uma ferramenta poderosa, pois "se apresenta como uma diversão inofensiva para consumo infantil". Tomlinson considera o seu argumento falho, pois "eles simplesmente assumem que ler banda desenhada americana, ver anúncios, ver imagens do estilo de vida afluente ... ['Yankee'] tem um efeito pedagógico direto".

Disney foi retratado inúmeras vezes em obras de ficção. HG Wells faz referência à Disney em seu romance de 1938, The Holy Terror, no qual o ditador mundial Rud teme que o Pato Donald esteja destinado a satirizar o ditador. Disney foi retratado por Len Cariou no filme feito para a TV de 1995, A Dream Is a Wish Your Heart Makes: The Annette Funicello Story, e por Tom Hanks no filme de 2013, Saving Mr. Banks. Em 2001, o autor alemão Peter Stephan Jungk publicou Der König von Amerika (trad.: O Rei da América), uma obra de ficção dos últimos anos de Disney que o reimagina como um racista sedento de poder. O compositor Philip Glass posteriormente adaptou o livro para a ópera The Perfect American (2013).

Vários comentaristas descreveram a Disney como um ícone cultural. Sobre a morte de Disney, o professor de jornalismo Ralph S. Izard comenta que os valores nos filmes da Disney são aqueles "considerados valiosos na sociedade cristã americana", que incluem "individualismo, decência, ... amor ao próximo, jogo limpo e tolerância". O obituário da Disney no The Times chama os filmes de "saudáveis, calorosos e divertidos ... de arte incomparável e de beleza tocante". O jornalista Bosley Crowther argumenta que a "conquista da Disney como criadora de entretenimento para um público quase ilimitado e como um comerciante altamente engenhoso de seus produtos pode ser corretamente comparada aos industriais de maior sucesso da história". O correspondente Alistair Cooke chama a Disney de "herói popular ... o flautista de Hamelin de Hollywood", enquanto Gabler considera que a Disney "reformulou a cultura e a consciência americana". No Dicionário Americano de Biografia Nacional, Langer escreve:

“Disney continua sendo a figura central na história da animação. Por meio de inovações tecnológicas e alianças com governos e corporações, ele transformou um pequeno estúdio, uma forma marginal de comunicação, em um gigante multinacional da indústria do lazer. Apesar de suas críticas, sua visão de uma utopia corporativa moderna como uma extensão dos valores tradicionais americanos possivelmente ganhou maior aceitação nos anos após sua morte.”

— Langer 2000

Em dezembro de 2021, o Metropolitan Museum of Art de Nova York inaugurou uma exposição especial de três meses em homenagem à Disney, intitulada "Inspirando Walt Disney".

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Post nº 401 ✓