O PATINHO FEIO (CONTO DE FADAS DINAMARQUÊS DE 1843)

Ilustração do "Patinho Feio" por Milo Winter, um renomado ilustrador (7 de agosto de 1888 – 15 de agosto de 1956). A ilustração foi publicada pela primeira vez em 1916 nos Estados Unidos, no livro "Contos de Fadas de Hans Andersen". Esta obra agora é considerada de domínio público.

• TÍTULO ORIGINAL: Den grimme ælling
• PAÍS: Dinamarca
• LINGUAGEM: dinamarquês
• GÊNERO: Conto de fadas literário
• EDITOR(A): CA Reitzel
• DATA DE PUBLICAÇÃO: 11 de novembro de 1843
• ONDE LER: Wikisource (Texto original em dinamarquês)

"O Patinho Feio" (em dinamarquês: Den grimme ælling) é um conto de fadas dinamarquês do poeta e escritor Hans Christian Andersen (1805–1875). Foi publicado pela primeira vez em 11 de novembro de 1843 em "Novos Contos de Fadas. Primeiro Volume. Primeira Coleção", juntamente com outros três contos de Andersen, em Copenhague, recebendo grande aclamação da crítica. O conto foi adaptado para diversas mídias, incluindo ópera, musical e filme de animação. Trata-se de uma história original de Andersen.

TRAMA

Após os ovos de uma pata eclodirem, um dos patinhos é visto pelos outros animais como uma criaturinha feia e sofre muitos abusos verbais e físicos. Um dia, ele foge do galinheiro e passa a viver com patos e gansos selvagens até que caçadores dizimam os bandos. Ele encontra um lar com uma senhora idosa, mas seu gato e sua galinha o provocam e zombam dele sem piedade, e mais uma vez ele parte sozinho.

O patinho avista um bando de cisnes selvagens migratórios. Ele fica encantado e animado, mas não pode se juntar a eles porque é muito jovem, feio e incapaz de voar. Quando chega o inverno, um fazendeiro encontra o patinho congelado e o leva para casa, mas ele se assusta com as crianças barulhentas do fazendeiro e foge da casa. O patinho passa um inverno miserável SOZINHO ao relento, escondendo-se principalmente em uma caverna no lago que congela parcialmente.

O patinho, agora crescido e maduro, não suporta mais uma vida de solidão e dificuldades. Ele decide se atirar em um bando de cisnes, acreditando ser melhor ser morto por aves tão belas do que viver uma vida de feiura. O patinho fica surpreso quando os cisnes o acolhem e o aceitam, apenas para perceber, ao olhar seu reflexo na água, que não fora um patinho, mas sim um cisne jovem durante todo esse tempo. O bando alça voo e ele abre as asas para voar com o resto de sua nova família.

COMENTÁRIOS E CRÍTICAS

Esta imagem mostra dois filhotes de cisne-branco (Cygnus olor) que, sob a vigilância dos pais que estão por perto, exploram o ambiente e comem grama. Os jovens cisnes ainda apresentam asas muito curtas e plumagem felpuda, características que a foto evidencia com clareza. Foto tirada por Markus Krötzsch em 17 de junho de 2007.

Ao analisar Hans Christian Andersen: Uma Nova Vida, do biógrafo Jens Andersen, a jornalista britânica Anne Chisholm escreve: "O próprio Andersen era um menino alto e feio, com nariz e pés grandes, e quando cresceu com uma bela voz para cantar e uma paixão pelo teatro, foi cruelmente provocado e zombado por outras crianças".

Especula-se que Andersen era filho ilegítimo do príncipe Christian Frederik (mais tarde rei Christian VIII da Dinamarca), e descobriu isso algum tempo antes de escrever o livro, e que ser um cisne na história era uma metáfora não apenas para beleza interior e talento, mas também para linhagem real secreta.

Segundo Carole Rosen, a história foi inspirada em parte pela amiga de Andersen, Jenny Lind.

VARIAÇÕES

Uma versão alternativa do conto ("O Frango da Galinha Azul") foi incluída em Mr. Rabbit at Home. A Sequel to Little Mr. Thimblefinger and His Queer Country (1895), de Joel Chandler Harris. Como a história termina no momento do nascimento do patinho no meio da família de pintinhos, a mensagem do conto poderia ser totalmente diferente, focando no "mau temperamento" e no esnobismo da Galinha Azul que, por ter se visto com um filho tão atípico, é punida por estar sempre na boca de todos e sendo constantemente apontada.

ADAPTAÇÕES

Animação: O conto foi adaptado para uma variedade de mídias. Filmes baseados no conto incluem dois curtas-metragens animados da série Silly Symphonies produzidos por Walt Disney, intitulados "O Patinho Feio". O primeiro foi produzido em 1931 em preto e branco, e um remake em 1939 em Technicolor. Este último filme ganhou o Oscar de Melhor Curta-Metragem de Animação em 1939 e foi o último Silly Symphony a ser produzido. A principal diferença entre a história de Andersen e a versão da Disney é que, nesta última, o sofrimento do pequeno pássaro dura apenas alguns minutos, e não meses. Em 1936, os irmãos Fleischer adaptaram a história para seu curta-metragem animado "O Pequeno Estranho", invertendo a narrativa ao apresentar um pintinho estranho nascido em uma família de patos.

Em 1932, Yasuji Murata dirigiu Ahiru no ko (O Patinho Feio), um curta-metragem de animação japonês de 15 minutos baseado no conto.

Em 1956, o estúdio de animação soviético Soyuzmultfilm produziu sua versão de 19 minutos de O Patinho Feio. O anime Princess Tutu é sobre uma pata que se transforma em uma bailarina semelhante a um cisne. O desenho animado Tom e Jerry de 1954, Downhearted Duckling, também é baseado na famosa história.

Na série de animação americana The Adventures of Rocky and Bullwinkle and Friends (1959-1964), a subsérie "Fractured Fairy Tales" possui vários episódios baseados no Patinho Feio.

No episódio "Nightcap" da série Flint the Time Detective, o grupo de Flint e o grupo de Petra Fina encontram o Patinho Feio quando são levados para os sonhos de Hans Christian Andersen pelo Viajante do Tempo que dá nome à série.

Música: O conto já teve diversas adaptações musicais. Em 1914, o compositor russo Sergei Prokofiev compôs uma obra para voz e piano baseada na adaptação de Nina Meshcherskaya e, em 1932, fez um arranjo da obra para voz e orquestra. Essa versão foi transcrita por Lev Konov em 1996, e sua ópera foi um grande sucesso na Rússia. Outras versões musicais incluem a canção "The Ugly Duckling", composta por Frank Loesser e interpretada por Danny Kaye para o filme musical de Charles Vidor de 1952 , Hans Christian Andersen , e Honk!, um musical baseado no conto que foi produzido na Grã-Bretanha e ganhou um Prêmio Olivier . O conto também foi adaptado para um musical por Gail Deschamps e Paul Hamilton. Em 1998, o musical ficou em cartaz no Piccolo Spoleto por dezessete dias. Stephin Merritt adaptou a história como "O Patinho Feio" em seu musical "Minha Vida Como um Conto de Fadas" em 2005, lançado com outras peças inspiradas em Andersen na Showtunes.

Livros: Em 1999, Jerry Pinkney adaptou a história para um livro ilustrado infantil.

FONTES: Chisholm, Anne (2006-06-05). "The tale of an ugly duckling". The Daily Telegraph. Archived from the original on 2008-03-07.

 Philip, Neil (2005-01-08). "The Little Prince". The Times. Archived from the original on May 15, 2009.

 Rosen, Carole (2004). "Lind, Jenny (1820–1887)". In Matthew, H. C. G.; Harrison, Brian (eds.). Oxford Dictionary of National Biography. Oxford University Press. ISBN 978-0198614111. Retrieved April 1, 2014. [Lind] inspired at least partly two of his best-known children's stories, The Ugly Duckling and The Emperor's Nightingale [sic]...

 Joel Chandler Harris, Mr. Rabbit at Home. A Sequel to Little Mr. Thimblefinger and His Queer Country, 1895, pp. 36-45

 "The 1939 Silly Symphony". The Internet Animation Database. Archived from the original on 2013-11-11. Retrieved 2012-08-04.

 "The Ugly Duckling". Animator.ru.

 "GMT: The Ugly Duckling". Archived from the original on 2008-03-16. Retrieved 2008-01-30.

 The ugly duckling. Online Computer Library Center. OCLC 39051276.

Post № 945 ✓

ARTE POP (MOVIMENTO ARTÍSTICO BRITÂNICO)

Andy Warhol Black Bean 1968

Pop art ou Arte pop é um movimento artístico surgido na década de 1950 no Reino Unido, mas que alcançou sua maturidade na década de 1960 nos Estados Unidos. O nome desta escola estético-artística coube ao crítico britânico Laurence Alloway (1926 - 1990) sendo uma das primeiras, e mais famosas imagens relacionadas ao estilo - que de alguma maneira se tornou paradigma deste - ,a colagem de Richard Hamilton (1922 - 2012): O que Exatamente Torna os Lares de Hoje Tão Diferentes, Tão Atraentes?, de 1956. A Pop art propunha que se admitisse a crise da arte que assolava o século XX desta maneira pretendia demonstrar com suas obras a massificação da cultura popular capitalista. Procurava a estética das massas, tentando achar a definição do que seria a (cultura pop), aproximando-se do que costuma chamar de kitsch.

ARTISTAS NOTÁVEIS

1. Billy Apple (1935–2021)
2. Evelyne Axell (1935–1972)
3. Sir Peter Blake (born 1932)
4. Derek Boshier (born 1937)
5. Pauline Boty (1938–1966)
6. Patrick Caulfield (1936–2005)
7. Allan D'Arcangelo (1930–1998)
8. Jim Dine (born 1935)
9. Burhan Dogancay (1929–2013)
10. Robert Dowd (1936–1996)
11. Rosalyn Drexler (born 1926)
12. Ken Elias (born 1944)
13. Erró (born 1932)
14. Marisol Escobar (1930–2016)
15. James Gill (born 1934)
16. Dorothy Grebenak (1913–1990)
17. Red Grooms (born 1937)
18. Richard Hamilton (1922–2011)
19. Keith Haring (1958–1990)
20. Jann Haworth (born 1942)
21. David Hockney (born 1937)
22. Dorothy Iannone (1933–2022)
23. Robert Indiana (1928–2018)
24. Jasper Johns (born 1930)
25. Ray Johnson (1927–1995)
26. Allen Jones (born 1937)
27. Alex Katz (born 1927)
28. Corita Kent (1918–1986)
29. Konrad Klapheck (1935–2023)
30. Kiki Kogelnik (1935–1997)
31. Nicholas Krushenick (1929–1999)
32. Yayoi Kusama (born 1929)
33. Gerald Laing (1936–2011)
34. Roy Lichtenstein (1923–1997)
35. Richard Lindner (1901–1978)
36. Peter Max (born 1937)
37. John McHale (1922–1978)
38. Marta Minujin (born 1943)
39. Claes Oldenburg (1929–2022)
40. Don Nice (1932–2019)
41. Julian Opie (born 1958)
42. Eduardo Paolozzi (1924–2005)
43. Peter Phillips (born 1939)
44. Sigmar Polke (1941–2010)
45. Hariton Pushwagner (1940–2018)
46. Mel Ramos (1935–2018)
47. Robert Rauschenberg (1925–2008)
48. Larry Rivers (1923–2002)
49. James Rizzi (1950–2011)
50. James Rosenquist (1933–2017)
51. Niki de Saint Phalle (1930–2002)
52. Peter Saul (born 1934)
53. George Segal (1924–2000)
54. Colin Self (born 1941)
55. Marjorie Strider (1931–2014)
56. Elaine Sturtevant (1924–2014)
57. Wayne Thiebaud (1920–2021)
58. Joe Tilson (born 1928)
59. Andy Warhol (1928–1987)
60. Idelle Weber (1932–2020)
61. John Wesley (1928–2022)
62. Tom Wesselmann (1931–2004)

ORIGENS

As origens da pop art na América do Norte desenvolveram-se de forma diferente das da Grã-Bretanha. Nos Estados Unidos, a pop art foi uma resposta dos artistas; marcou um retorno à composição de ponta e à arte representativa . Eles usaram a realidade impessoal e mundana, a ironia e a paródia para "desarmar" o simbolismo pessoal e a " frouxidão pictórica " do expressionismo abstrato . Nos EUA, algumas obras de Larry Rivers , Alex Katz e Man Ray anteciparam a pop art.

Em contraste, as origens da pop art na Grã-Bretanha do pós-guerra , embora empregando ironia e paródia, eram mais acadêmicas. Os artistas britânicos se concentraram nas imagens dinâmicas e paradoxais da cultura pop americana como dispositivos simbólicos poderosos e manipuladores que afetavam padrões inteiros de vida, ao mesmo tempo em que melhoravam a prosperidade de uma sociedade. A pop art inicial na Grã-Bretanha era uma questão de ideias alimentadas pela cultura popular americana quando vista de longe . Da mesma forma, a pop art era uma extensão e uma rejeição do dadaísmo . Enquanto a pop art e o dadaísmo exploravam alguns dos mesmos assuntos, a pop art substituiu os impulsos destrutivos, satíricos e anárquicos do movimento dadaísta por uma afirmação imparcial dos artefatos da cultura de massa. Entre os artistas na Europa vistos como produtores de trabalhos que levaram à pop art estão: Pablo Picasso , Marcel Duchamp e Kurt Schwitters.

Proto-pop: Embora tanto a pop art britânica quanto a americana tenham começado na década de 1950, Marcel Duchamp e outros na Europa, como Francis Picabia e Man Ray, são anteriores ao movimento; além disso, houve algumas origens proto-pop americanas anteriores que utilizavam objetos culturais "como encontrados".  Durante a década de 1920, os artistas americanos Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy , Charles Demuth e Stuart Davis criaram pinturas que continham imagens da cultura pop (objetos mundanos retirados de produtos comerciais e design publicitário americanos), quase "prefigurando" o movimento da pop art.

Post nº 202

RETROFUTURISMO (MOVIMENTO ARTÍSTICO)

 

Retrofuturismo (adjetivo retrofuturístico ou retrofuturo) é um movimento nas artes criativas que mostra a influência de representações do futuro produzidas em uma era anterior. Se o futurismo é às vezes chamado de "ciência" empenhada em antecipar o que virá, o retrofuturismo é a lembrança dessa antecipação. Caracterizado por uma mistura de "estilos retrô" antiquados com tecnologia futurista, o retrofuturismo explora os temas de tensão entre passado e futuro, e entre os efeitos alienantes e fortalecedores da tecnologia . Principalmente refletido em criações artísticas e tecnologias modificadas que realizam os artefatos imaginados de sua realidade paralela, o retrofuturismo pode ser visto como "uma perspectiva animadora do mundo".

CARACTERÍSTICAS

O retrofuturismo incorpora duas tendências sobrepostas que podem ser resumidas como o futuro visto do passado e o passado visto do futuro .

A primeira tendência, o retrofuturismo propriamente dito, é diretamente inspirada pelo futuro imaginado que existia nas mentes de escritores, artistas e cineastas no período pré-1960 que tentavam prever o futuro, seja em projeções sérias de tecnologia existente (por exemplo, em revistas como Science and Invention ) ou em romances e histórias de ficção científica . Essas visões futurísticas são reformadas e atualizadas para o presente e oferecem uma imagem nostálgica e contrafactual do que o futuro poderia ter sido, mas não é.

Representação retrofuturista de uma locomotiva voadora, visualmente baseada no Nebraska Zephyr , em um estilo dieselpunk que lembra o início dos anos 1940.

A segunda tendência é o inverso da primeira: retro futurista . Ela começa com o apelo retrô de estilos antigos de arte, roupas, costumes e, então, enxerta tecnologias modernas ou futuristas nele, criando uma mistura de elementos passados, presentes e futuros. Steampunk , um termo que se aplica tanto à retrojeção de tecnologia futurista em uma era vitoriana alternativa, quanto à aplicação de estilos neovitorianos à tecnologia moderna, é uma versão altamente bem-sucedida dessa segunda tendência. No filme Estação Espacial 76 (2014), a humanidade alcançou as estrelas, mas roupas, tecnologia, móveis e, acima de tudo, tabus sociais são propositalmente muito reminiscentes de meados da década de 1970.

Na prática, as duas tendências não podem ser nitidamente distinguidas, pois contribuem mutuamente para visões semelhantes. O retrofuturismo do primeiro tipo é inevitavelmente influenciado pela consciência científica, tecnológica e social do presente, e as criações retrofuturísticas modernas nunca são simplesmente cópias de suas inspirações pré-1960; em vez disso, elas recebem uma nova reviravolta (frequentemente irônica ou irônica) ao serem vistas de uma perspectiva moderna.

Da mesma forma, o retrô futurista deve muito de seu sabor à ficção científica antiga (por exemplo, as obras de Júlio Verne e HG Wells ) e, em uma busca por autenticidade estilística, pode continuar a se basear em escritores e artistas do período desejado.

Ambas as tendências retrofuturísticas em si não se referem a nenhum tempo específico. Quando um período de tempo é fornecido para uma história, pode ser um presente contrafactual com tecnologia única; uma versão fantástica do futuro; ou um passado alternativo no qual as invenções imaginadas (fictícias ou projetadas) do passado eram de fato reais.

Proposta de expresso marítimo de alta velocidade ("Ozeanreise im Jahre 2.000") como no ano 2000, 1931 (Hamburgo - Nova York em 40 horas).

A importação do retrofuturismo tem sido, nos últimos anos, alvo de considerável discussão. Alguns, como o crítico de arquitetura alemão Niklas Maak, veem o retrofuturismo como "nada mais do que um loop de feedback estético que relembra uma crença perdida no progresso, as velhas imagens do que antes era radicalmente novo". Bruce McCall chama o retrofuturismo de "falsa nostalgia" — a nostalgia por um futuro que nunca aconteceu. 

ETIMOLOGIA

A palavra retrofuturismo é formada pela adição do prefixo "retro" do latim, que dá o significado de "para trás" à palavra "futuro", palavra também originária do latim.

De acordo com o Oxford English Dictionary , um uso antigo do termo aparece em um anúncio da Bloomingdales em uma edição de 1983 do The New York Times . O anúncio fala de joias que são "aço prateado e cinza elegante unidos para um visual retrofuturista". Em um exemplo mais relacionado ao retrofuturismo como uma exploração de visões passadas do futuro, o termo aparece na forma de "retrofuturista" em uma crítica de 1984 do filme Brazil no The New Yorker. A crítica Pauline Kael escreve: "[Terry Gilliam] apresenta uma fantasia retrofuturista."