OUROBOROS (SÍMBOLO VISUAL DENOTANDO INFINITUDE CÍCLICA)

Desenho de um Ouroboros, extraído de um manuscrito alquímico grego bizantino do final da Idade Média. Folha 279 do Codex Parisinus graecus 2327 — uma cópia (feita por Theodoros Pelecanos, de Corfu, em Khandak, Heraclião, Creta, no ano de 1478) de um manuscrito perdido contendo um tratado do início da Idade Média, o qual era atribuído a Sinésio de Cirene (falecido em 412). O texto do tratado é atribuído a Estêvão de Alexandria (século VII).

O ouroboros (/ˌʊərəˈbɒrəs/), uróboro, oroboro ou ainda uroboros (/ˌjʊərəˈbɒrəs/) é um símbolo antigo que representa uma serpente ou dragão que devora a própria cauda. O ouroboros entrou na tradição ocidental através da iconografia do antigo Egito e da tradição mágica grega. Foi adotado como símbolo no gnosticismo, no hermetismo e na alquimia.

NOME E INTERPRETAÇÃO

O termo deriva do grego antigo οὐροβόρος, composto por οὐρά (oura), "cauda", e o sufixo -βόρος (-boros), "que come".

O ouroboros é frequentemente interpretado como um símbolo de renovação cíclica eterna ou de um ciclo de vida, morte e renascimento; a troca de pele da serpente simboliza a transmigração das almas. A serpente que morde a própria cauda é, em algumas religiões, um símbolo de fertilidade: a cauda representa um símbolo fálico, enquanto a boca simboliza o yoni — ou seja, o útero.

REPRESENTAÇÕES HISTÓRICAS

Egito Antigo: Um dos primeiros motivos conhecidos do ouroboros é encontrado no Livro Enigmático do Mundo Inferior, um antigo texto funerário egípcio em KV62, o túmulo de Tutancâmon, no século XIV a.C. O texto trata das ações de Rá e sua união com Osíris no submundo. O ouroboros é representado duas vezes na figura: segurando suas caudas na boca, uma circundando a cabeça e a parte superior do peito, a outra envolvendo os pés de uma grande figura, que pode representar o Rá-Osíris unificado (Osíris renascido como Rá). Ambas as serpentes são manifestações da divindade Mehen, que em outros textos funerários protege Rá em sua jornada pelo submundo. Toda a figura divina representa o início e o fim do tempo.

O ouroboros aparece em outras fontes egípcias, onde, como muitas divindades serpentinas egípcias, representa a desordem informe que envolve o mundo ordenado e está envolvido na renovação periódica desse mundo. O símbolo persistiu desde os tempos egípcios até os romanos, quando aparecia frequentemente em talismãs mágicos , às vezes em combinação com outros emblemas mágicos. O comentarista latino Sérvio, do século IV d.C., estava ciente do uso egípcio do símbolo, observando que a imagem de uma serpente mordendo o próprio rabo representa a natureza cíclica do ano.

Gnosticismo e alquimia:

Ilustração alquímica antiga de um ouroboros, acompanhada pelas palavras ἓν τὸ πᾶν (O Todo é Um), presente na obra de Cleópatra, a Alquimista, no manuscrito MS Marciana gr. Z. 299 (século X).

No gnosticismo, uma serpente mordendo a própria cauda simbolizava a eternidade e a alma do mundo. O Pistis Sophia gnóstico (c. 400 d.C.) descreve o ouroboros como um dragão de doze partes que circunda o mundo com a cauda na boca.

O famoso desenho do ouroboros do antigo texto alquímico, A Crisopeia de Cleópatra (Κλεοπάτρας χρυσοποιία), provavelmente datado originalmente de Alexandria, no século III, mas conhecido pela primeira vez em uma cópia do século X, contém as palavras hen to pan (ἓν τὸ πᾶν), "o todo é um". Suas metades preta e branca podem talvez representar uma dualidade gnóstica da existência, análoga ao símbolo taoísta do yin e yang. O ouroboros da crisopeia de Cleópatra, a Alquimista, é uma das imagens mais antigas do ouroboros a ser associada à lendária obra dos alquimistas, a pedra filosofal.

Um manuscrito alquímico do século XV, A Aurora Consurgens, apresenta o ouroboros, onde é usado entre símbolos do sol, da lua e de mercúrio.

“Sexta Figura” (Figura Seis), gravada por Matthaeus Merian (1593–1650). Figura 6 do De Lapide Philosophico [Sobre a Pedra Filosofal] de Lambsprinck, conforme publicado no Musaeum hermeticum, reformatum et amplificatum. Francofurti : Apud Hermannum à Sande, 1678. Em latim.
 Hoc vere est magnum miraculum & cita fraus / In venenoso Dracone summam medicinam inesse.

 SEXTA FIGURA.

 Mercurius recte & chymice præcipitatus vel sublimatus, in sua propria Aqua resolutus & rursum coagulatus.

 Isto é, “Mercúrio corretamente precipitou ou sublimou em sua própria água, dissolveu-se e novamente coagulou”.

 Uma serpente ou dragão morde a cauda, simbolizando o mercúrio. O ouroboros é um dos símbolos alquímicos mais antigos. Descrições alegóricas que exigiam decodificação por parte do praticante sempre fizeram parte da comunicação alquímica. A alquimia medieval no Ocidente adicionou imagens visuais a essa longa tradição.

Serpente mundial na mitologia: Na mitologia nórdica, o ouroboros aparece como a serpente Jörmungandr, um dos três filhos de Loki e Angrboda, que cresceu tanto que podia circundar o mundo e morder a própria cauda. Nas lendas de Ragnar Lodbrok , como Ragnarssona þáttr, o rei gauta Herraud dá um pequeno verme de lindworm de presente à sua filha Þóra Town-Hart, que então cresce e se transforma em uma grande serpente que circunda o recinto da moça e morde a própria cauda. A serpente é morta por Ragnar Lodbrok, que se casa com Þóra. Mais tarde, Ragnar tem um filho com outra mulher chamada Kráka, e esse filho nasce com a imagem de uma serpente branca em um dos olhos. Essa serpente circundava a íris e mordia a própria cauda, e o filho foi chamado de Sigurd Serpente-no-Olho.

É uma crença comum entre os povos indígenas das terras baixas tropicais da América do Sul que as águas na borda do disco mundial são cercadas por uma cobra, frequentemente uma anaconda, mordendo o próprio rabo.

O ouroboros tem certas características em comum com o Leviatã bíblico. De acordo com o Zohar , o Leviatã é uma criatura singular, sem parceira, "sua cauda está colocada em sua boca", enquanto Rashi, em Baba Batra 74b, o descreve como "girando e abrangendo o mundo inteiro". A identificação parece remontar aos poemas de Kalir, nos séculos VI e VII.

Conexão com o pensamento indiano: No Aitareya Brahmana , um texto védico do início do primeiro milênio a.C., a natureza dos rituais védicos é comparada a "uma cobra mordendo o próprio rabo".

O simbolismo do Ouroboros tem sido usado para descrever a Kundalini. De acordo com o Upanishad Yoga-kundalini medieval: "O poder divino, Kundalini, brilha como o caule de um lótus jovem; como uma serpente, enrolada sobre si mesma, segura a cauda na boca e repousa meio adormecida como a base do corpo" (1.82).

Storl (2004) também se refere à imagem do ouroboros em referência ao "ciclo do samsara".

REFERÊNCIAS MODERNAS

Psicologia junguiana: O psiquiatra suíço Carl Jung considerava o ouroboros um arquétipo e o mandala básico da alquimia. Jung também definiu a relação do ouroboros com a alquimia: Carl Jung, Obras Completas, Vol. 14, parágrafo 513.

“Os alquimistas, que à sua maneira conheciam a natureza do processo de individuação melhor do que nós, modernos, expressaram esse paradoxo através do símbolo do Ouroboros, a serpente que devora a própria cauda. Diz-se que o Ouroboros possui um significado de infinito ou totalidade. Na antiga imagem do Ouroboros reside a ideia de devorar a si mesmo e transformar-se em um processo circulatório, pois era claro para os alquimistas mais astutos que a prima materia da arte era o próprio homem. O Ouroboros é um símbolo dramático da integração e assimilação do oposto, ou seja, da sombra. Esse processo de "retroalimentação" é, ao mesmo tempo, um símbolo de imortalidade, visto que se diz do Ouroboros que ele se mata e se traz à vida, se fertiliza e dá à luz a si mesmo. Ele simboliza o Uno, que procede do choque dos opostos e, portanto, constitui o segredo da prima materia que... inquestionavelmente provém do inconsciente do homem.”

O psicólogo junguiano Erich Neumann escreve sobre isso como uma representação do "estado de alvorada" pré-ego, descrevendo a experiência indiferenciada da infância tanto da humanidade quanto da criança individual.

Kekulé e benzeno:

Fórmula química desenvolvida para benzeno inscrita no desenho do Ouroboros (serpente que se morde a fila).

O químico orgânico alemão August Kekulé descreveu o momento eureka em que percebeu a estrutura do benzeno, depois de ter tido uma visão do Ouroboros:

“Eu estava sentado, escrevendo em meu livro didático; mas o trabalho não progredia; meus pensamentos estavam em outro lugar. Virei minha cadeira para a lareira e cochilei. Novamente os átomos estavam dançando diante dos meus olhos. Desta vez, os grupos menores se mantinham discretamente em segundo plano. Meu olhar mental, aguçado pelas repetidas visões desse tipo, agora conseguia distinguir estruturas maiores de múltiplas conformações: longas fileiras, às vezes mais justapostas; todas se entrelaçando e se contorcendo em movimentos serpentinos. Mas olhe! O que era aquilo? Uma das serpentes havia agarrado a própria cauda, e a forma girava zombeteiramente diante dos meus olhos. Como se por um relâmpago, acordei; e desta vez também passei o resto da noite elaborando as consequências da hipótese.”

Cosmos: Martin Rees usou o ouroboros para ilustrar as várias escalas do universo, variando de 10 −20 cm (subatômica) na cauda, até 10 25 cm (supragaláctica) na cabeça. Rees enfatizou "os laços íntimos entre o micromundo e o cosmos, simbolizados pelo ouroboros", já que a cauda e a cabeça se encontram para completar o círculo.

Cibernética: W. Ross Ashby aplicou ideias da biologia ao seu próprio trabalho como psiquiatra em "Design for a Brain" (1952): que os seres vivos mantêm as variáveis essenciais do corpo dentro de limites críticos, com o cérebro como regulador dos circuitos de feedback necessários. Parmar contextualiza as suas práticas como artista ao aplicar o princípio cibernético do Ouroboros à improvisação musical.

Assim, a serpente que come a própria cauda é uma imagem ou metáfora aceita no cálculo autopoiético para autorreferência, ou autoindicação, a notação processual lógica para analisar e explicar sistemas autônomos autoprodutores e “o enigma da vida”, desenvolvida por Francisco Varela. Reichel descreve isso como:

“Um conceito abstrato de um sistema cuja estrutura é mantida através da autoprodução dessa estrutura e através dela mesma. Nas palavras de Kauffman, é "o antigo símbolo mitológico do verme ouroboros incorporado em um cálculo matemático não numérico".”

O cálculo deriva da confluência da lógica cibernética do feedback, das subdisciplinas da autopoiese desenvolvidas por Varela e Humberto Maturana e do cálculo de indicações de George Spencer Brown. Em outra aplicação biológica relacionada:

“É notável que a percepção de Rosen, de que o metabolismo é apenas um mapeamento..., que pode ser muito superficial para um biólogo, acabe por nos mostrar o caminho para construir recursivamente, por um processo de limite, soluções da equação autorreferencial de Ouroboros f(f) = f, para uma função desconhecida f, uma maneira que os matemáticos não haviam imaginado antes de Rosen.”

A cibernética de segunda ordem, ou a cibernética da cibernética, aplica o princípio da autorreferencialidade, ou a participação do observador no observado, para explorar o envolvimento do observador. incluindo o domínio de DJ Stewart de "imparidades valorizadas pelo observador".

Lagarto-cintado-de-tatu: O nome científico do lagarto-cintado-de-tatu (Ouroborus cataphractus) deriva da postura defensiva do animal: enrolar-se em forma de bola e segurar a cauda na boca.

Na cultura ibérica: Uma pescada europeia de tamanho médio, conhecida em espanhol como pescadilla e em português como pescada , é frequentemente apresentada com a boca a morder a cauda. Em espanhol, recebe o nome de pescadilla de rosca ("pescada de rosca"). Ambas as expressões Uma pescadinha de rabo na boca ("pequena pescada com a cauda na boca") e La pescadilla que se muerde la cola ("a pescada que morde a cauda") são expressões proverbiais portuguesas e espanholas para raciocínio circular e círculos viciosos.

Dragon Gate Pro-Wrestling: A Dragon Gate Pro-Wrestling, empresa de luta livre sediada em Kobe, Japão, utilizou um ouroboros estilizado como logotipo durante os primeiros 20 anos de sua existência. O logotipo consiste em um dragão em silhueta, torcido na forma de um símbolo do infinito, devorando a própria cauda. Em 2019, a empresa abandonou o logotipo do dragão com o símbolo do infinito em favor de um escudo.

NA FICÇÃO

Literatura: Uma variação do motivo Ouroboros é um símbolo importante no romance de fantasia A História Sem Fim, de Michael Ende: apresentando duas serpentes, uma preta e outra branca, mordendo a cauda uma da outra, esse símbolo representa o poderoso AURYN e a natureza infinita da história. O símbolo também aparece em destaque na capa tanto do livro de ficção quanto do romance.

O Verme Ouroboros é um romance de alta fantasia escrito por E.R. Eddison. Assim como o símbolo cíclico do ouroboros devorando a própria cauda, o romance termina como começa. O vilão principal possui um anel na forma de um ouroboros.

Em Gótico Mexicano, o símbolo é usado ao longo da história, retratando a imortalidade do lar e da família, bem como a persistência de ideologias ultrapassadas.

Em A Roda do Tempo e em sua adaptação para a televisão de 2021, as Aes Sedai usam um anel da "Grande Serpente", descrito como uma cobra consumindo a própria cauda.

No conto de ficção científica "Todos Vocês Zumbis" (1958) do escritor americano Robert A. Heinlein, a personagem Jane usa um anel Ouroboros, "o verme Ouroboros, a serpente do mundo". O conto inspirou mais tarde o filme Predestination (2014).

No universo da Fundação SCP, o conto da proposta "O Ciclo Ouroboros" abrange a história da Fundação SCP desde a sua criação até ao seu fim.

Nos romances e na adaptação televisiva de A Descoberta das Bruxas, o brasão da família de Clermont é um ouroboros. O símbolo desempenha um papel significativo na trama alquímica da história.

Na série de livros The Witcher, de Andrzej Sapkowski, o Ouroboros e a "serpente mordendo o próprio rabo" são temas recorrentes.

O protagonista de As Quinze Primeiras Vidas de Harry August, de Claire North (Catherine Webb), faz parte de um grupo de pessoas chamadas Ouroboranos ou Kalachakras: quando morrem, renascem nas mesmas circunstâncias, com o conhecimento de suas vidas anteriores.

Na série de quadrinhos Bone, de Jeff Smith, Mim, a rainha dragão e criadora do vale, mantém o equilíbrio no mundo orbitando o globo terrestre com o rabo na boca, até ser corrompida pelo Senhor dos Gafanhotos.

Cinema e televisão: O Ouroboros é o símbolo adotado pelo Grupo Millennium, obcecado pelo Fim dos Tempos, na série de TV Millennium (1996-9). Ele também aparece brevemente quando Dana Scully faz uma tatuagem dele no episódio "Never Again" da 4ª temporada de Arquivo X (1997). "Ouroboros" (1997) é um episódio da sitcom britânica de ficção científica Red Dwarf , no qual Dave Lister descobre que é seu próprio pai através de uma viagem no tempo.

O episódio 6 da 2ª temporada (2016) de Fear the Walking Dead intitula-se "Ouroboros". A personagem Alpha em The Walking Dead usa uma fivela de cinto em forma de ouroboros. Na 1ª temporada (2018) da série cyberpunk da Netflix, Altered Carbon, o protagonista Takeshi Kovacs faz uma tatuagem de ouroboros em forma de símbolo do infinito , e ela aparece na sequência de abertura da série, ligando-se aos temas de renascimento e à distorção do ciclo natural da vida e da morte. A 4ª temporada (2021) de The Sinner apresenta-a ao longo de toda a série.

Na estreia da segunda temporada da série de televisão Loki, é apresentado um personagem chamado Ouroboros (interpretado por Ke Huy Quan). Ele é um funcionário da Autoridade de Variação Temporal. No quarto episódio, ele também faz referência a uma cobra mordendo o próprio rabo.

No anime Fullmetal Alchemist: Brotherhood , os membros da raça homúnculo são identificados por terem o símbolo esculpido/tatuado/marcado neles.

Videogame: Splatoon 3 tem uma criatura Salmonídea semelhante a uma serpente chamada Horrorboros.

Em Xenoblade Chronicles 3, os seis personagens principais empunham um poder nomeado em homenagem ao ouroboros, que é usado para se opor ao ciclo de morte e renascimento em Aionios, em vez de representá-lo.

A série Trails tem uma sociedade recorrente de antagonistas chamada Ouroboros, cujo emblema inclui uma cobra mordendo o próprio rabo.

Escultura:

Criada pela escultora australiana Lindy Lee em Brisbane, a obra de arte de aço inoxidável de 13 toneladas foi instalada nos jardins da Galeria Nacional da Austrália e inaugurada em outubro de 2024. Foto tirada por Doug butler em 9 de janeiro de 2025, 11:53:24.

Ouroboros, uma grande escultura pública da artista australiana Lindy Lee no pátio da Galeria Nacional da Austrália. O público pode entrar livremente em sua "boca" de 4 m.

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A VIRGEM E O CIGANO (FILME BRITÂNICO DE 1970)

• OUTROS TÍTULOS: De maagd en de zigeuner (Bélgica), Девицата и циганинът (Bulgária), Neito ja mustalainen (Finlândia), La vierge et le gitan (França), La vergine e lo zingaro (Itália), Jomfruen og sigøyneren (Noruega), Dziewica i Cygan (Polônia), Fecioara și țiganul (Romênia), Oskulden och zigenaren (Suécia), 
• GÊNERO(S): Drama, romance, época
• ORÇAMENTO: £1.400.000
• BILHETERIA: £7.847.000
• DURAÇÃO: 1 Hora, 35 Minutos
• DIREÇÃO: Christopher Miles
• ROTEIRO: Alan Plater (Baseado no romance de DH Lawrence)
• CINEMATOGRAFIA: Robert Huke
• EDIÇÃO: Paul Davies
• MÚSICA: Patrick Gowers
• ELENCO:
• Joanna Shimkus — Yvette
• Franco Nero — o Cigano
• Honor Blackman — Sra. Fawcett
• Mark Burns — Maj. Eastwood
• Fay Compton — Avó
• Maurice Denham — o Reitor
• Kay Walsh — Tia Cissie
• Imogen Hassall — a Esposa do Cigano
• Harriet Harper — Lucille
• Norman Bird — Tio Fred
• Jeremy Bulloch — Leo Wetherall
• Roy Holder — Bob
• Margo Andrew — Ella
• Janet Chappell — Mary
• PRODUÇÃO: Kenneth Harper e a Kenwood Productions
• DISTRIBUIÇÃO: London Screen
• DATA DE LANÇAMENTO: 15 de maio de 1970 (Festival de Cinema de Cannes), 30 de junho de 1970 (Nova Iorque, EUA), 3 de julho de 1970 (Londres)
• ONDE ASSISTIR:

A Virgem e o Cigano é um filme dramático britânico de 1970 dirigido por Christopher Miles e estrelado por Joanna Shimkus e Franco Nero. O roteiro de Alan Plater foi baseado no romance homônimo de D. H. Lawrence.

SINOPSE

Uma história de amor romântica narra a trajetória de uma jovem inglesa recatada que se sente sexualmente atraída por um cigano sedutoramente viril.

LANÇAMENTO

O filme foi exibido fora de competição no Festival de Cannes de 1970 em 15 de maio. The Buttercup Chain, uma coprodução entre a Columbia Pictures e a Columbia British Productions, foi inscrito como a entrada britânica oficial no festival, com enormes botões-de-ouro cintilando ao longo da Croisette, levando alguns críticos a questionar por que The Virgin and the Gypsy, que também foi exibido fora de competição, não havia sido escolhido.

O filme estreou em 30 de junho de 1970 no 68th Street Playhouse, na cidade de Nova York, antes de sua "estreia mundial" no Odeon, em Haymarket, Londres, em 2 de julho. Estreou para o público em Londres em 3 de julho.

A imprensa especializada americana previu uma bilheteria fraca, mas as semanas seguintes provaram que estavam erradas, já que o filme quebrou recordes de bilheteria tanto em Londres quanto em Nova York, e continuou a arrecadar milhões em todo o mundo.

RECEPÇÃO CRÍTICA

• IMDb: 6.0/10

Desde os créditos iniciais, com um rio tranquilo fluindo sob a ponte da casa paroquial, até a última cena das brasas moribundas da fogueira cigana, ficou claro para alguns críticos que os elementos terra, fogo e água tinham um significado que ia além de suas simples imagens "...o calor estéril e abafado da fogueira da casa paroquial, em contraste com o calor da fogueira do acampamento cigano - a tranquilidade da água que dá vida, que pode repentinamente se tornar uma força destrutiva e transformadora. Alguns também reconheceram a qualidade quase fabular dos personagens principais, que eram arquétipos do pai e do tio fracos, contra a força malévola da avó, todos tentando, sem sucesso, dominar e impedir o florescimento da jovem virgem. Nada pode detê-la", disse Miles, "ela é como um açafrão que infalivelmente e inevitavelmente encontra seu caminho através do asfalto de uma estrada".

 O crítico de cinema do Times de Londres, John Russell Taylor, perguntou a Christopher Miles na sessão de imprensa se ele tinha visto as críticas da imprensa americana. Miles disse que não, e Russell Taylor disse-lhe para não se preocupar, pois ele tinha feito um "filme de grande distinção discreta, uma adaptação altamente literária e sensível do original... excelentes atuações... já que o contexto de época é lindamente, porque discretamente, capturado". O resto da imprensa também se mostrou entusiasmado, o que ajudou a promover um filme que não foi produzido por um grande estúdio americano.

Vincent Canby, do New York Times, escreveu: "Um filme imensamente romântico, com estilo e inteligência crítica. 'A Virgem e a Cigana' é satisfatório porque atinge os seus objetivos". Alexander Walker, do Evening Standard, disse: "É uma mudança refrescante encontrar hoje um filme dirigido com bom gosto e elegância. A estreia de Christopher Miles como diretor de longas-metragens revela um talento para composição, proporção e técnica. Posso recomendar com confiança a produção de Kenneth Harper". A Newsweek disse: "Um retrato finamente delineado da garota rebelde e silenciosa, interpretada com devaneios eróticos nos olhos por Joanna Shimkus: a cigana de olhos de serpente de Franco Nero, pura paixão e propósito... um filme primorosamente feito, repleto do tipo de informação que só a arte pode fornecer sobre um tempo que já passou".

 Ian Christie, do Daily Express, escreveu: “Christopher Miles transformou este pequeno romance em uma obra que destila poesia visual” e Judith Crist, da New York Magazine, escreveu: “O roteiro de Alan Plater é simplesmente magistral ao apresentar as ‘revisões finais’ da história ainda em desenvolvimento de Lawrence... e o diretor tem um talento excepcional para a síntese visual... além da Srta. Shimkus, cuja beleza possui uma qualidade única e penetrante, há ótimas atuações de Honor Blackman e Mark Burns, que sabem a diferença entre apetite e desejo... e Franco Nero, como o cigano incrivelmente bonito, a personificação do sonho de toda garota com o bom selvagem”. Enquanto isso, Ernest Betts, do The People, escreveu: “Eu achava impossível transpor D.H. Lawrence para o cinema, mas com "A Virgem e a Cigana", retiro tudo o que disse. Esta é uma adaptação perfeita para o cinema e o melhor filme erótico que já tivemos”. A revista Time considerou que “Nenhuma história – e nenhum filme – revela melhor o absolutismo moral de Lawrence do que ‘A Virgem e a Cigana’... Aos 29 anos, Miles sabe tudo o que vale a pena saber sobre atores... ele faz com que seu elenco funcione com a competência e o timing de uma companhia teatral londrina”.

Stanley Kauffmann, da revista The New Republic, escreveu: “A Virgem e a Cigana é bastante fiel ao original de D. H. Lawrence e, portanto, bastante tola”. Kauffmann não ficou impressionado com a atuação de Joanna Shimkus, dizendo: “esta história desbotada de revolta ávida por vida poderia ter sido um filme de época tolerável se a heroína tivesse sido bem interpretada”.

Indicações:

1. Globo de Ouro Melhor Filme Estrangeiro em Língua Inglesa
2. Louro de Ouro Melhor Ator (Joanna Shimkus e Franco Nero)

DESENVOLVIMENTO

Em 1967, Kenneth Harper, o produtor, trabalhou com o diretor Christopher Miles e o roteirista Alan Plater no roteiro de "A Virgem e a Cigana", e o primeiro rascunho foi discutido com John Van Eyssen, chefe executivo de produção da Columbia Pictures no Reino Unido, que, embora tivesse lido a história de Lawrence e encomendado o roteiro, queria que a cigana aparecesse no primeiro ato. Miles achava que isso não funcionaria, pois o objetivo do início do filme era estabelecer a virgem em relação à sua família e à casa paroquial, e mostrar a frustração da jovem. Além disso, ele achava que o filme fracassaria se esses elementos da própria história de Lawrence não fossem explorados. O produtor concordou e, assim, a Columbia retirou seu apoio, o que custou aos cineastas dois anos em sua busca por financiamento alternativo.

Durante esse período, o produtor e o diretor também estavam considerando os problemas de escalação dos dois protagonistas, já que a palavra 'virgem' tinha múltiplas interpretações, o que na nova e permissiva década de 1960 havia se tornado uma distração. Vários atores foram considerados para ambos os papéis principais, mas ao ouvir falar de uma nova jovem atriz em um filme francês 'Tante Zita', Miles foi a Paris para assistir ao filme e, apesar de outra oferta, Joanna Shimkus aceitou o papel de Yvette.

Em 1969, Miles foi apresentado a Dimitri de Grunwald, que havia fundado a London Screen, cujo método de financiamento de filmes era baseado no modelo europeu, e não no americano. Isso significava que a atriz principal, Joanna Shimkus, uma canadense que havia acabado de iniciar sua carreira cinematográfica em Paris, juntamente com Franco Nero, que então já era bem conhecido na Itália, se encaixavam nos planos de Dimitri para financiamento de produção pan-europeu. Dimitri estava disposto a financiar o filme com o diretor de 29 anos, pois havia visto seu primeiro curta-metragem indicado ao Oscar, "O Triângulo de Seis Lados", no cinema local.

Encontrar os locais certos também se revelou um problema, pois não havia casas paroquiais construídas perto das margens dos rios nos locais sobre os quais Lawrence escreveu, mas enquanto procuravam perto de Matlock, encontraram 'Raper Lodge', uma pequena casa de pedra pertencente ao administrador de águas do Duque de Rutland. Como isso foi antes da era da computação gráfica, uma extensão foi construída na casa, que também pôde ser parcialmente destruída para a cena da inundação, que também foi filmada posteriormente em um estúdio em Londres.

O filme foi concluído dentro do orçamento em 8 semanas, mas durante a edição foi introduzida uma nova categoria de censura cinematográfica no Reino Unido, a classificação AA, o que significava que ninguém com menos de 14 anos poderia assistir ao filme. Isso causou uma disputa entre Miles e o censor, mas um acordo foi alcançado e a classificação AA foi finalmente concedida.

FONTES: Bryson, Bill. Doubleday Inc/ Transworld Publishers. ‘The road to Little Dribbling’ - The Peak District chapter - ‘The Virgin and the Gypsy’ ISBN 9780857522344

Butler, Ivan. A.S.Barnes and Co. Inc/The Tantivy Press, London W1Y OQX "Cinema in Britain - 1970 The Virgin and the Gypsy" ISBN 0-498-01133-X

Gontarski, S.E. Ed. Michael Klein & Gilian Parker. Frederick Ungar Publishing Co / New York "The English Novel and the Movies" - "The Virgin and the Gypsy" - An English Watercolor ISBN 0-8044-2472-1

Greiff, Louis K. Southern Illinois University Press. "D.H.Lawrence - Fifty Years on Film" 'Foxes and Gypsies on Film’ ISBN 0-8093-2387-7.

Lawrence, D.H. "The Virgin and the Gypsy" First Published (single volume) Martin Secker Ltd. 1930. Single volume paperback - Penguin Books

Vermilye, Jerry. Published by Citadel Press - Lyle Stuart Inc. "The great British films" - 244 ‘The Virgin and the Gypsy’ ISBN 0-8065-0661-X

Gilliat, Penelope. "The England, this Past" New Yorker, 4 July 1970, p. 71.

Hart, Henry. "1970's Ten Best" Films in Review - Feb. 1971 p. 63.

Kauffmann, Stanley. "Stanley Kauffmann on Films" New Republic, 1 August 1970, p. 24.

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 Youlgrave Bugle (June 2020 No. 226) "Remembering the Virgin and the Gypsy"

 Evening Echo - Cork (24 February 1973) "Film of famous D.H.Lawrence story"

 "The Virgin and the Gypsy - an English Watercolor" - S.E Gontarski - The English Novel and the Movies - Frederick Ungar Pub. Co / New York

 Guardian (30 July 1969) "First stab at the blood lust" Robin Hall interviews Christopher Miles

 New York Post (27 June 1970) - "I’m a gypsy I guess" - Joanna Shimkus

 Cinema TV Today (11 January 1975) – “Shared finance the only thing that makes sense – De Grunwald”

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 Daily Mail (1 July 1970) Cecil Wilson - “X films you must now be 18”

 "Cannes and Here". New York Daily News. 8 May 1970. p. BL70.

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 Canby, Vincent (1 July 1970). "Screen: Virgin and the Gypsy Opens". The New York Times. p. 50. Retrieved 3 July 2024.

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 The Times (3 July 1970) - The Lady and the Tramp - John Russell Taylor

 Evening Standard Alexander Walker - critic of the year.

 "Virgin and the Gypsy (film review)". Newsweek. USA. 13 July 1970.

 Daily Express (1 July 1970) - “Lawrence’s lady learns about sex”.

 New York Magazine (22nd June 1970) - Judith Crist “Virgins and Gypsies”.

 The People (5 July 1970) - Ernest Betts - ‘This is a winner’.

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A IDADE DA INOCÊNCIA (FILME CANADENSE-BRITÂNICO DE 1977)

• OUTROS TÍTULOS: Summer Rain (Título Alternativo), Ragtime Summer (Canadá), Edad de inocencia (Espanha), Hiljaiselon aika (Finlândia), Wiek niewinności (Polônia)
• GÊNERO(S): Drama,
• ORÇAMENTO: US$850.000
• DURAÇÃO: 1 Hora, 41 Minutos
• DIREÇÃO: Alan Bridges
• ROTEIRO: Ratch Wallace
• CINEMATOGRAFIA: Brian West
• EDIÇÃO: Michael MacLaverty
• MÚSICA: Max Urban
• ELENCO:
• David Warner — Henry Buchanan
• Honor Blackman — Sra. Boswell
• Trudy Young — Clarissa
• Lois Maxwell — Sra. Hogarth
• Cec Linder — Dr. Hogarth
• PRODUÇÃO: Deanne Judson e George Willoughby; Judson Pictures Incorporated e The Rank Organisation
• DISTRIBUIÇÃO:
• DATA DE LANÇAMENTO: 28 de Abril de 1977 (Canadá), 1 de Julho de 1977 (Reino Unido), 5 de janeiro de 1992 (Finlândia; estreia na TV), 6 de novembro de 1992 (Portugal; estreia na TV)
• ONDE ASSISTIR:

Age of Innocence, também conhecido como Ragtime Summer, é um filme canadense-britânico de 1977 dirigido por Alan Bridges e estrelado por David Warner, Honor Blackman e Trudy Young. Não é baseado no romance The Age of Innocence.

SINOPSE

No Canadá de 1921, um jovem britânico, Henry Buchanan, é professor em uma escola local para meninos; contudo, suas visões pacifistas — e seu histórico como objetor de consciência durante a Primeira Guerra Mundial — geram controvérsia.

RECEPÇÃO

• IMDb: 5.7/10

Em Directors in British and Irish Cinema: A Reference Companion (2006), Robert Murphy afirmou que o filme explorava a sensibilidade romântica e a repressão sexual.

A Filmink descreveu o filme como "uma história de amor com Honor Blackman e… David Warner (quem iria assistir a isso? Ninguém, pelo que se viu)".

DESENVOLVIMENTO

O filme foi uma coprodução canadense-britânica, com roteirista canadense e diretor britânico. Entre os investidores estavam a Canadian Film Development Corporation, a Odeon Theatres (Canadá), a Rank Film Distributors e investidores de ambos os países.

Filmado em película de 35 mm nos meses de julho e agosto de 1976. As locações incluíram o Lang Pioneer Village Museum, Burleigh Falls, a Lakefield College School e a localidade de Lakefield, em Ontário.

FONTES: Lerner, Loren R. (January 1, 1997). Canadian Film and Video: A Bibliography and Guide to the Literature. University of Toronto Press. ISBN 9780802029881 – via Google Books.

 Allon, Yoram; Cullen, Del; Patterson, Hannah (January 8, 2001). Contemporary British and Irish Film Directors: A Wallflower Critical Guide. Wallflower Press. ISBN 9781903364215 – via Google Books.

 Roberts, Jerry (June 5, 2009). Encyclopedia of Television Film Directors. Scarecrow Press. ISBN 9780810863781 – via Google Books.

 Walsh, Michael. "Bringing an era alive: Conscience in conflict with reputation". reelingback.com.

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 "Age of Innocence (1977)". BFI. Archived from the original on March 11, 2017.

 "Ragtime Summer opens". The Ottawa Journal. 23 April 1977. p. 67.

 "1977 Ragtime Summer On DVD Signed By Trudy Young NEW ! | #439604981". Worthpoint.

 Murphy, Robert (July 25, 2019). Directors in British and Irish Cinema: A Reference Companion. Bloomsbury Publishing. ISBN 9781838715335 – via Google Books.

 Vagg, Stephen (22 August 2025). "Forgotten British Film Studios: The Rank Organisation 1968-1977". Filmink. Retrieved 22 August 2025.

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ÉDIPO (HERÓI TRÁGICO DA MITOLOGIA GREGA)

Édipo decifra o enigma da esfinge - Jean-Auguste Dominique Ingres (1808) - Museu do Louvre, Pinturas RF 218. Técnica: óleo sobre tela; Altura: 189 cm (74,4 pol.); largura: 144 cm (56,6 pol.).

• PAIS: Laio e Jocasta (biológicos); Pólibo e Mérope (adotivos)
• IRMÃOS: Alcinoë (adotivo)
• CONSORTE: Jocasta, Euríganeia e Astimedusa
• FILHOS: Antígona, Ismene, Etéocles e Polinices

Édipo (RU: /ˈiːdɪpəs/, também EUA: /ˈɛdɪ-/; grego antigo: Οἰδίπους Oidípous, lit. "pé inchado") foi um rei mítico de Tebas na mitologia grega. Herói trágico, Édipo cumpriu involuntariamente uma profecia que o levaria a matar o próprio pai e casar-se com a própria mãe, trazendo desgraça à sua cidade e família. A história de Édipo é o tema da Édipo Rei de Sófocles, seguida, na sequência narrativa, por Édipo em Colono e, posteriormente, por Antígona. Juntas, essas peças compõem as três peças tebanas. Édipo representa dois temas perenes do mito e do drama gregos: a natureza falha da humanidade e o papel do indivíduo no curso do destino em um universo implacável.

NOÇÕES BÁSICAS DO MITO

Variações da lenda de Édipo são mencionadas em fragmentos por diversos poetas da Grécia Antiga, incluindo Homero, Hesíodo, Píndaro, Ésquilo e Eurípides. No entanto, a versão mais popular da lenda provém do conjunto de peças tebanas de Sófocles: Édipo Rei, Édipo em Colono e Antígona.

Édipo era filho de Laio e Jocasta, rei e rainha de Tebas. Como Laio não tinha filhos há algum tempo, consultou o Oráculo de Apolo em Delfos. O Oráculo profetizou que qualquer filho que Laio tivesse o mataria. Numa tentativa de impedir o cumprimento da profecia, quando Jocasta de fato deu à luz um filho, Laio mandou perfurar os tornozelos do menino e amarrá-los para que ele não pudesse engatinhar; Jocasta então entregou o menino a um servo para que o abandonasse ("expondo-o") numa montanha próxima. Contudo, em vez de deixar a criança morrer de frio, como Laio pretendia, o servo entregou o bebê a um pastor de Corinto, que por sua vez o entregou a outro pastor.

O pequeno Édipo acabou sendo adotado por Pólibo e Mérope, rei e rainha de Corinto, que não tinham filhos. O pequeno Édipo recebeu esse nome devido ao inchaço causado pelos ferimentos em seus pés e tornozelos ("pé inchado"). Após muitos anos, Édipo foi informado por um bêbado de que era um "bastardo", ou seja, um filho ilegítimo. Édipo confrontou seus pais adotivos com a notícia, mas eles negaram. Édipo então foi ao mesmo oráculo em Delfos que seus pais biológicos haviam consultado. O oráculo informou-lhe que ele estava destinado a assassinar seu pai e casar-se com sua mãe. Na tentativa de evitar tal destino, ele decidiu não retornar para Corinto, mas viajar para Tebas, que ficava mais perto de Delfos.

No caminho, Édipo chegou a Daulia, onde três estradas se cruzavam. Lá, encontrou uma carruagem conduzida por seu pai biológico, o rei Laio. Eles lutaram para ver quem tinha o direito de ir primeiro, e Édipo matou Laio quando o cocheiro tentou atropelá-lo. A única testemunha da morte do rei foi um escravo que fugiu de uma caravana de escravos que também viajava pela estrada naquele momento.

Continuando sua jornada para Tebas, Édipo encontrou uma Esfinge, que detinha todos os viajantes que chegavam à cidade e lhes propunha um enigma. Se os viajantes não conseguissem respondê-lo corretamente, seriam mortos e devorados; se acertassem, poderiam prosseguir viagem. O enigma era: "O que anda sobre quatro patas pela manhã, duas à tarde e três à noite?", e Édipo respondeu: "O homem: quando bebê, engatinha; quando adulto, anda sobre duas pernas; e na velhice, usa uma bengala." Édipo foi o primeiro a responder corretamente ao enigma; a Esfinge, então, cometeu suicídio por vergonha (em algumas versões, porém, Édipo a mata).

Pintura "A Esfinge e Édipo". 1992. Óleo sobre tela. Artista S. P. Panasenko ("Site de Heráldica de Sergey Panasenko (Mikhalkin)").

O irmão da rainha Jocasta, Creonte, havia anunciado que qualquer homem que conseguisse livrar a cidade da Esfinge seria coroado rei de Tebas e receberia a mão da rainha, recentemente viúva, em casamento. Esse casamento de Édipo com Jocasta cumpriu o restante da profecia. Quatro filhos nasceriam desse casamento incestuoso: os filhos Etéocles e Polinices (cujos destinos são detalhados em Sete Contra Tebas) e as filhas Antígona e Ismene.

• Título: Rei
• Predecessor: Laio
• Sucessor: Etéocles
• Região: Tebas

Muitos anos depois, uma praga de infertilidade assolou a cidade de Tebas, afetando todos os seres vivos. Édipo afirmou que acabaria com a pestilência. Enviou Creonte ao Oráculo de Delfos em busca de orientação. Quando Creonte retornou, Édipo soube que o assassino do rei Laio deveria ser levado à justiça, e o próprio Édipo amaldiçoou o assassino do falecido marido de sua esposa, dizendo que ele seria exilado. Creonte também sugeriu que tentassem encontrar o profeta cego Tirésias, que era amplamente respeitado. Édipo mandou chamar Tirésias, que o advertiu para não procurar o assassino de Laio. Em uma acalorada discussão, Tirésias foi levado a expor Édipo como o assassino e o fato de Édipo estar vivendo em vergonha por não saber quem eram seus verdadeiros pais. Édipo, furioso, culpou Creonte pelas falsas acusações, e os dois discutiram. Jocasta entrou e tentou acalmar Édipo contando-lhe a história de seu primogênito e sua suposta morte. Édipo ficou nervoso ao perceber que poderia ter assassinado Laio e, assim, provocado a peste. De repente, chegou um mensageiro de Corinto com a notícia da morte do rei Pólibo. Édipo ficou aliviado, pois a profecia não poderia mais se cumprir se Pólibo, a quem ele acreditava ser seu pai biológico, estivesse morto.

Ainda assim, ele sabia que sua mãe estava viva e recusou-se a comparecer ao funeral em Corinto. Para aliviar a tensão, o mensageiro disse então que Édipo era, na verdade, adotado. Jocasta, finalmente percebendo que ele era seu filho, implorou-lhe que parasse de procurar o assassino de Laio. Édipo interpretou mal sua motivação, pensando que ela tinha vergonha dele por ele poder ter nascido de origem humilde. Jocasta, em grande angústia, entrou no palácio, onde se enforcou. Édipo buscou confirmação da história do mensageiro com o mesmo pastor que supostamente o havia abandonado para morrer quando bebê. Com o pastor, Édipo descobriu que o menino que fora criado como filho adotivo de Pólibo e Mérope era, na verdade, filho de Laio e Jocasta. Assim, Édipo finalmente percebeu que o homem que matara tantos anos antes era seu pai e que ele havia se casado com sua mãe.

Os eventos após a revelação dependem da fonte. Nas peças de Sófocles, Édipo foi em busca de Jocasta e descobriu que ela havia se suicidado. Usando o alfinete de um broche que tirou do vestido de Jocasta, Édipo cegou a si mesmo e foi exilado. Sua filha Antígona serviu de guia enquanto ele vagava pelo país, morrendo finalmente em Colono, onde foram acolhidos pelo rei Teseu de Atenas. No entanto, nas peças de Eurípides sobre o assunto, Jocasta não se suicidou ao saber do nascimento de Édipo, e Édipo foi cegado por um servo de Laio. O cegamento de Édipo não aparece em fontes anteriores a Ésquilo. Algumas fontes mais antigas do mito, incluindo Homero, afirmam que Édipo continuou a governar Tebas após as revelações e a morte de Jocasta.

Os dois filhos de Édipo, Etéocles e Polinices, combinaram de dividir o reino, alternando o reinado entre eles por um ano. Contudo, Etéocles recusou-se a ceder o trono após o seu ano como rei. Polinices então reuniu um exército para depor Etéocles, e uma batalha se seguiu. Ao final do conflito, os irmãos se mataram, e Creonte, irmão de Jocasta, ascendeu ao trono. Ele decidiu que Polinices era um "traidor" e que não deveria receber ritos funerários. Antígona tentou enterrar o irmão em desafio ao édito. Na Antígona de Sófocles, Creonte a enterrou em uma caverna rochosa por desafiá-lo, e ela acabou se enforcando. Entretanto, na versão perdida da história de Eurípides, Antígona parece sobreviver ao exílio imposto.

Édipo e Antígona (entre 1825 e 1828) de Aleksander Kokular.

FONTES ANTIGAS

A lenda de Édipo foi transmitida oralmente pela primeira vez, sendo Homero o primeiro indivíduo a quem se atribui o seu relato. A menção escrita de Édipo começa no século V a.C. De acordo com fontes posteriores, Édipo morreu lutando num ataque a gado contra Argos enquanto era rei de Tebas. Embora essas histórias tratem principalmente da sua queda, vários detalhes ainda aparecem sobre como Édipo ascendeu ao poder.

O rei Laio de Tebas ouve uma profecia de que seu filho pequeno um dia o matará. Ele perfura os pés de Édipo e o deixa para morrer, mas um pastor o encontra e o leva embora. Anos depois, Édipo, sem saber que foi adotado, sai de casa com medo da mesma profecia de que matará seu pai e se casará com sua mãe. Laio viaja para buscar uma solução para o misterioso enigma da Esfinge ou para obter notícias de seu filho. Como profetizado, Édipo e Laio se cruzam, mas não se reconhecem. Uma luta se segue, e Édipo mata Laio e a maioria de seus guardas. Édipo derrota a Esfinge resolvendo um enigma para se tornar rei. Ele se casa com a rainha viúva Jocasta, sem saber que ela é sua mãe. Uma peste assola o povo de Tebas. Ao descobrir a verdade, Édipo cega-se e Jocasta se enforca. Depois que Édipo deixa de ser rei, seus irmãos se matam uns aos outros.

Algumas diferenças em relação às histórias mais antigas surgem. A maldição dos filhos de Édipo foi retroativamente elaborada para incluir Édipo e seu pai, Laio. Édipo agora abdica do trono em vez de morrer em batalha. Além disso, em vez de seus filhos serem de um segundo casamento, os filhos de Édipo agora são de Jocasta (portanto, também são seus irmãos).

Odisseu no Inferno: Na Odisseia, Odisseu encontra a mãe de Édipo no Mundo Inferior, recordando:

E vi a mãe de Édipo, a bela Epicaste,

que cometeu um ato monstruoso por ignorância,

ao casar-se com o próprio filho, e este, após matar o próprio pai,

casou-se com ela, e imediatamente os deuses revelaram esses fatos aos homens.

Mas ele, apesar de toda a sua dor,

continuou a governar os cadmeus na amada Tebas, por influência dos conselhos nefastos dos deuses,

enquanto ela desceu à casa de Hades, o poderoso guardião.

Ela forjou um laço no alto de uma viga imponente,

dominada pela dor, mas deixou para trás inúmeros sofrimentos, tão grandes quanto as Fúrias de uma mãe podem infligir.

Em contraste com o relato de Sófocles, não há ainda menção de Édipo no exílio, nem menção de uma investigação extensa sobre o assassino de Laio e as circunstâncias do nascimento de Édipo resolvidas pelos mortais; em vez disso, os deuses revelam a verdade "imediatamente" (ἄφαρ).

Segunda Ode Olímpica de Píndaro: Em sua segunda Ode Olímpica (476 a.C.), Píndaro escreve:

“O filho trágico de Laio, cruzando o caminho do pai, matou-o e cumpriu o antigo oráculo proferido em Pito. E a perspicaz Erínia viu e matou seus filhos guerreiros uns contra os outros. Contudo, Tersandro sobreviveu à queda de Polinices e conquistou a honra em competições juvenis e resistiu ao impacto da guerra, um herdeiro que auxiliou a casa de Adrasto.”

—  Linhas 35-40.

Trilogia dos Sete Contra Tebas de Ésquilo: Em 467 a.C., o dramaturgo ateniense Ésquilo escreveu, principalmente, uma trilogia baseada no mito de Édipo, que lhe rendeu o primeiro prêmio nas Dionísias Urbanas. Das peças, Laio foi a primeira, Édipo a segunda, e Os Sete Contra Tebas foi a terceira e a única que sobreviveu.

Em Os Sete Contra Tebas, os filhos de Édipo, Etéocles e Polinices, matam-se mutuamente numa guerra pelo trono. Tal como na sua Orestéia, a trilogia teria detalhado as tribulações de uma Casa ao longo de três gerações sucessivas. A peça satírica que se seguiu à trilogia chamava-se A Esfinge.

As peças tebanas de Sófocles: As três obras sobreviventes das "peças tebanas" de Sófocles consistem em: Édipo Rei (também chamado Édipo Tirano ou Édipo o Rei), Édipo em Colono e Antígona. Todas as três peças tratam do destino da cidade de Tebas, durante e após o reinado do rei Édipo, e frequentemente foram publicadas em um único volume. Originalmente, Sófocles escreveu as peças para três festivais distintos, com muitos anos de intervalo. As peças tebanas não constituem uma verdadeira trilogia (três peças apresentadas como uma narrativa contínua), nem mesmo uma série intencional, apresentando algumas inconsistências entre si. Sófocles também escreveu outras peças focadas em Tebas, principalmente os Epígonos, dos quais apenas fragmentos sobreviveram.

Édipo Rei: No início de Édipo Rei, de Sófocles, o povo de Tebas implora ao rei por ajuda, suplicando que ele descubra a causa da peste. Édipo se coloca diante deles e jura encontrar a raiz de seu sofrimento e pôr fim a ele. Nesse instante, Creonte retorna a Tebas após uma visita ao oráculo. Apolo revelou que Tebas abriga uma terrível abominação e que a peste só será dissipada quando o verdadeiro assassino do velho rei Laio for descoberto e punido por seu crime. Édipo jura fazer isso, sem perceber que ele próprio é o culpado. A dura verdade emerge lentamente ao longo da peça, à medida que Édipo confronta o vidente cego Tirésias, que pressente a verdade. Édipo, contudo, permanece em profunda negação, convencido de que Tirésias está de alguma forma conspirando com Creonte para usurpar o trono.

Na Cena II da peça, a compreensão começa a surgir lentamente quando Jocasta menciona, de repente, que Laio foi morto num cruzamento de três estradas. Isso desperta algo na memória de Édipo, que se lembra subitamente dos homens com quem lutou e matou há muito tempo, naquele mesmo cruzamento. Horrorizado, ele percebe que talvez seja o homem que procura. Um criado da casa sobreviveu ao ataque e agora vive seus últimos anos num bairro periférico de Tebas. Édipo manda chamar imediatamente o homem para confirmar ou negar sua culpa. Na pior das hipóteses, porém, ele espera se descobrir o assassino involuntário de um homem desconhecido. A verdade ainda não foi revelada.

O momento da epifania ocorre no final da peça. No início da Cena III, Édipo ainda aguarda a chegada do servo à cidade, quando um mensageiro de Corinto anuncia a morte do rei Pólibo. Ao ouvir a notícia, Édipo sente um grande alívio, pois acreditava que Pólibo era o pai que o oráculo o havia destinado a assassinar, e por um instante acredita ter escapado do destino. Ele conta tudo isso aos presentes, incluindo o mensageiro, mas este sabe que não é verdade. Ele é o homem que encontrou Édipo ainda bebê no desfiladeiro de Citerão e o entregou ao rei Pólibo para que o criasse. Revela, ainda, que o servo que está sendo trazido à cidade naquele momento é o mesmo homem que levou Édipo para as montanhas quando bebê. Jocasta então compreende tudo o que aconteceu. Ela implora a Édipo que não insista no assunto. Ele se recusa, e ela se retira para o palácio enquanto o servo chega. O velho chega, e fica claro de imediato que ele sabe de tudo. A pedido de Édipo, ele conta tudo.

Dominado pela consciência de todos os seus crimes, Édipo invade o palácio onde encontra sua mãe, esposa, morta por suicídio. Arrancando um broche de seu vestido, Édipo cega-se com ele. Sangrando pelos olhos, implora a seu tio e cunhado Creonte, que acaba de chegar, que o exile para sempre de Tebas. Creonte concorda com o pedido. Édipo implora para segurar suas duas filhas, Antígona e Ismene, mais uma vez, para que seus olhos se encham de lágrimas, e Creonte, com pena, envia as meninas para ver Édipo mais uma vez.

Édipo em Colono:

Em Édipo em Colono, de Sófocles, Édipo torna-se um andarilho, perseguido por Creonte e seus homens. Ele finalmente encontra refúgio no deserto sagrado nos arredores de Atenas, onde se diz que Teseu cuidou de Édipo e de sua filha, Antígona. Creonte eventualmente alcança Édipo. Ele pede a Édipo que retorne de Colono para abençoar seu filho, Etéocles. Irritado por seu filho não o amar o suficiente para cuidar dele, Creonte amaldiçoa tanto Etéocles quanto seu irmão, condenando-os a se matarem em batalha. Édipo morre em paz; seu túmulo é considerado sagrado para os deuses.

Antigone:

Na peça Antígona, de Sófocles, quando Édipo abdicou do trono de Tebas, entregou o reino a seus dois filhos, Etéocles e Polinices, que concordaram em alternar o poder anualmente. Contudo, eles não demonstraram qualquer preocupação com o pai, que os amaldiçoou por sua negligência. Após o primeiro ano, Etéocles recusou-se a abdicar e Polinices atacou Tebas com seus partidários (como retratado em Os Sete Contra Tebas, de Ésquilo, e As Fenícias, de Eurípides). Os dois irmãos se mataram em batalha. O rei Creonte, que ascendeu ao trono de Tebas, decretou que Polinices não deveria ser sepultado. Antígona, irmã de Polinices, desobedeceu à ordem, mas foi capturada.

Creonte decretou que ela fosse sepultada num caixão de pedra, apesar de seu noivado com seu filho Hémon. A irmã de Antígona, Ismene, declarou então que a ajudara e desejava o mesmo destino, mas Creonte acabou por recusar-se a executá-la. Os deuses, através do profeta cego Tirésias, expressaram sua desaprovação à decisão de Creonte, o que o convenceu a revogar sua ordem, e ele foi sepultar Polinices pessoalmente. Contudo, Antígona já havia se enforcado em seu túmulo, em vez de sofrer a morte lenta de ser enterrada viva. Quando Creonte chegou ao túmulo onde ela fora sepultada, seu filho Hémon o atacou ao ver o corpo de sua noiva falecida, mas, não conseguindo matar Creonte, suicidou-se. Quando a esposa de Creonte, Eurídice, foi informada da morte de Hémon, ela também tirou a própria vida.

Fenissas, Crisipo e Édipo de Eurípides: No início de Fenissas, de Eurípides, Jocasta relembra a história de Édipo. De modo geral, a peça entrelaça os enredos de Os Sete Contra Tebas e Antígona. A peça difere das outras histórias em dois aspectos principais. Primeiro, descreve em detalhes o motivo da rixa entre Laio e Édipo: Laio ordenou que Édipo saísse da estrada para que sua carruagem pudesse passar, mas o orgulhoso Édipo se recusou a ceder. Segundo, na peça, Jocasta não se suicida ao descobrir o incesto – caso contrário, não poderia representar o prólogo, por razões incompreensíveis – nem Édipo foge para o exílio, mas ambos permanecem em Tebas apenas para adiar seu destino até o duelo fatal de seus filhos/irmãos/sobrinhos Etéocles e Polinices: Jocasta comete suicídio sobre os corpos dos dois homens, e Antígona segue Édipo para o exílio.

Em Crisipo, Eurípides desenvolve a história pregressa da maldição: o pecado de Laio foi ter sequestrado Crisipo, filho de Pélops, para violá-lo, e isso provocou a vingança dos deuses sobre toda a sua família. Laio era o tutor de Crisipo, e estuprar seu aluno foi uma grave violação de sua posição como hóspede e tutor na casa da família real que o hospedava na época. Vasos existentes mostram uma fúria pairando sobre o lascivo Laio enquanto ele sequestra a vítima de estupro. As Fúrias vingavam as violações da boa ordem nos lares, como pode ser visto mais claramente em textos como As Coéforas de Ésquilo.

Eurípides também escreveu um Édipo, do qual apenas alguns fragmentos sobreviveram. O primeiro verso do prólogo relembrava a ação arrogante de Laio ao conceber um filho contra a ordem de Apolo. Em algum momento da peça, um personagem se dedica a uma descrição longa e detalhada da Esfinge e seu enigma – preservada em cinco fragmentos de Oxirrinco, P.Oxy. 2459 (publicado por Eric Gardner Turner em 1962). A tragédia também apresenta muitas máximas morais sobre o tema do casamento, preservadas no Anthologio de Estobeu. Os versos mais marcantes, no entanto, afirmam que, nesta peça, Édipo foi cegado pelos assistentes de Laio e que isso aconteceu antes de sua identidade como filho de Laio ser descoberta, marcando, portanto, diferenças importantes em relação à versão sofocliana do mito, que agora é considerada a versão "padrão". Muitas tentativas foram feitas para reconstruir o enredo da peça, mas nenhuma delas é mais do que hipotética, devido aos escassos vestígios que sobreviveram do seu texto e à total ausência de descrições ou resumos antigos – embora tenha sido sugerido que uma parte da narração de Higino sobre o mito de Édipo possa, de fato, derivar da peça de Eurípides. Alguns ecos do Édipo euripidiano foram também encontrados numa cena do Édipo de Sêneca, na qual o próprio Édipo descreve a Jocasta a sua aventura com a Esfinge.

Outros dramaturgos: Pelo menos três outros autores do século V a.C., mais jovens que Sófocles, escreveram peças sobre Édipo. Entre eles estão Aqueu de Erétria, Nicômaco e o Velho Xenocles.

ADIÇÕES POSTERIORES

A Bibliotheca , um manual mitológico da época romana, inclui um enigma para a Esfinge, tomando emprestado a poesia de Hesíodo: "O que é aquilo que tem uma voz e, no entanto, se torna quadrúpede, bípede e trípede?"

Acréscimo posterior aos Sete contra Tebas de Ésquilo: Devido à popularidade da Antígona de Sófocles (c. 442 a.C.), o final (linhas 1005–78) de Os Sete contra Tebas foi adicionado cerca de cinquenta anos após a morte de Ésquilo. Enquanto a peça (e a trilogia da qual é a última peça) deveria terminar com um luto sombrio pelos irmãos mortos, o final espúrio apresenta um arauto anunciando a proibição de enterrar Polinices e a declaração de Antígona de que ela desafiará esse decreto.

COMPLEXO DE ÉDIPO

Sigmund Freud usou o nome "complexo de Édipo" para explicar a origem de certas neuroses na infância. É definido como o desejo inconsciente de um menino pelo amor exclusivo de sua mãe. Esse desejo inclui ciúme do pai e o desejo inconsciente pela morte desse genitor, bem como o desejo inconsciente de ter relações sexuais com a mãe. O próprio Édipo, como retratado no mito, não tinha essa neurose – pelo menos não em relação a Jocasta, a quem só conheceu na idade adulta (se houvesse algum sentimento, seria direcionado a Mérope – mas não há indícios disso). Freud argumentou que o público da Grécia Antiga, que ouvia a história ou assistia às peças baseadas nela, sabia que Édipo estava, na verdade, matando o pai e casando-se com a mãe; a história, sendo continuamente contada e encenada, refletia, portanto, uma preocupação com o tema.

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Carloni, Glauco and Nobili, Daniela. La Mamma Cattiva: fenomenologia, antropologia e clinica del figlicidio (Rimini, 2004).

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RAÍ (FUTEBOLISTA BRASILEIRO)

Retrato do jogador brasileiro Raí antes do jogo Brasil x Rússia, no Stanford Stadium, São Francisco em 20 de junho de 1994. Foto de Tony Marshall/EMPICS via Getty Images.

• NOME COMPLETO: Raí Souza Vieira de Oliveira
• NASCIMENTO: 15 de maio de 1965; Ribeirão Preto, São Paulo, Brasil
• APELIDOS: Terror do Morumbi, Beranco
• FAMÍLIA: Sócrates (Irmão)
• POSIÇÃO: meio-campista
• ANOS DE ATIVIDADE: 1984–2000 (16 anos)
• PÉ: destro
• TORCEDOR: SE Palmeiras

Raí Souza Vieira (1965—) é um ex-futebolista brasileiro que atuava como meio-campista. Um dos grandes jogadores da década de 90, é considerado o maior camisa 10 da história do São Paulo, clube onde foi ídolo e campeão do mundo em 1992, marcando os dois gols do título na final contra o Barcelona.

BIOGRAFIA

Infância: Nascido em Ribeirão Preto, é irmão do também ex-jogador Sócrates. Grande admirador dos filósofos gregos, o pai de Raí deu a seus três filhos mais velhos os nomes de Sócrates, Sófocles e Sóstenes. Seu Raimundo queria que Raí se chamasse Xenofonte, mas sua mulher, Dona Guiomar, conseguiu dissuadi-lo da ideia.

Em entrevista ao Museu da Pessoa, concedida em 2009, Raí conta que, durante a infância e pré-adolescente, o futebol já era presente e foi muito importante para ajudá-lo a combater sua timidez, uma vez que era uma prática esportiva que o permitia se expressar e estar em contato com amigos.

Botafogo-SP:

Raí no início da década de 1980, jogando na base do Botafogo-SP.

Iniciou sua carreira no Botafogo de Ribeirão Preto, aos 15 anos, omitindo o parentesco com o irmão famoso. Em 1984 foi lançado no time principal, mas só se firmou com a chegada do técnico Pedro Rocha, no segundo turno do Campeonato Paulista do ano seguinte. "O Pedro deu muita força", contou o jogador, em 1986. "Ele foi um grande meia-esquerda e passou-me vários ensinamentos."

AA Ponte Preta: Passou pela Ponte Preta por empréstimo durante o Campeonato Brasileiro de 1986 e no ano seguinte voltou, durante o Campeonato Paulista, ao Botafogo.

Em 1986, Raí foi emprestado para a Ponte Preta, onde fez dez jogos e marcou um gol.

Foi convocado para a Seleção Brasileira e disputou a Copa América daquele ano. Chegou a ser cobiçado pelo Corinthians, especialmente depois de marcar três gols contra o Alvinegro, em abril de 1986, mas foi contratado pelo São Paulo ainda em 1987, para o Campeonato Brasileiro.

São Paulo FC: Sua estreia foi apenas na última rodada do primeiro turno, em 18 de outubro, na derrota por 1 a 0 para o Grêmio, por causa de uma contusão na coxa direita que o deixara três meses fora dos gramados. O seu primeiro gol pelo clube viria no terceiro jogo, na vitória por 2 a 0 sobre o Goiás.

Em 1989 foi campeão pela primeira vez ao conquistar o Campeonato Paulista.

Antes da chegada do técnico Telê Santana, em outubro de 1990, o jogador tinha marcado apenas 26 gols em mais de três anos. Porém, depois que Telê passou a comandar o time, Raí marcou muitos gols: foram 28 em 1991, sendo 20 no Campeonato Paulista, quando conquistou a artilharia do Paulistão.

Foi o capitão do time no Campeonato Brasileiro de 1991 e ajudou o São Paulo a conquistar seu terceiro título, em cima do Bragantino de Carlos Alberto Parreira. Nessa campanha, Raí foi o artilheiro do time, com sete gols, fato que se repetiria no Brasileirão seguinte, no título do bicampeonato consecutivo da Libertadores, em 1993, e nos Campeonatos Paulistas de 1992 e 1993.

Como campeão brasileiro, conquistou a Libertadores de 1992 contra o Newell's Old Boys, da Argentina. Foi decisivo ao marcar o gol que levou a final à decisão por pênaltis. Acertou a sua cobrança na disputa e, com a vitória tricolor, como capitão do time levantou o troféu diante de 120 mil torcedores no Estádio do Morumbi.

Na disputa da Copa Intercontinental de 1992, no Japão, Raí marcou dois gols — sendo o primeiro com a barriga e o segundo em uma cobrança de falta — e o São Paulo venceu o jogo contra o Barcelona, conquistando o título. Raí foi eleito o melhor jogador do torneio.

Na volta ao Brasil, o São Paulo ainda venceu a final do Paulistão, batendo o Palmeiras por 2 a 1. Nesse campeonato, Raí chegou a marcar cinco gols em um mesmo jogo, na vitória por 6 a 0 sobre o Noroeste, de Bauru, em 15 de outubro.

No começo de 1993, foi vendido ao Paris Saint-Germain, da França, por 4,6 milhões de dólares, mas ficou no Brasil até o meio do ano e conquistou ainda a Libertadores de 1993, marcando um gol de peito no primeiro jogo da final e novamente levantando o troféu. No Paulista, o time ficou em terceiro lugar, e a despedida do meia foi em uma vitória por 6 a 1 sobre o Santos, em 3 de junho.

PSG:

Raí atuando pelo PSG no segundo semestre de 1994.

Chegou e transformou-se em um dos principais ídolos do clube. Na sua primeira temporada, quando o PSG conquistou a Ligue 1 (Campeonato Francês) de 1993–94, foi substituído na maioria de seus jogos e chegou até a frequentar o banco de reservas. No entanto, seria um dos principais jogadores do time na conquista dos títulos da Recopa Europeia de 1996 (finalista em 1997), da Ligue 1 de 1995–96, da Copa da França de 1994–95 e de 1997–98, e da Copa da Liga Francesa de 1994–95 e 1997–98.

Raí defendeu o Paris Saint-Germain entre 1993 e 1998. Foi capitão da equipe e o cérebro do time durante toda sua estadia. Em sua cinco temporadas jogou 204 partidas e marcou 71 gols.

Em 2020, Raí foi eleito o maior jogador da história do clube francês. A votação foi promovida pelo Paris Saint-Germain em comemoração aos seus 50 anos, e contou com 2,5 mil votantes, dos quais 30% foram ex-jogadores, técnicos e dirigentes, 30% foram jornalistas e 40% foram sócios. Raí foi o primeiro em todos os grupos.

Retorno ao São Paulo: Raí ainda voltou ao São Paulo em 1998, e sua reestreia foi contra o Corinthians, já na final do Campeonato Paulista daquele ano: ele fez um gol de cabeça e foi campeão no mesmo dia em que desembarcou no país. Mas em um jogo contra o Cruzeiro, em 9 de agosto, pelo Campeonato Brasileiro, Raí rompeu os ligamentos no tornozelo após uma entrada de Wilson Gottardo e teve de ficar mais de um ano parado.

O meio-campista Raí em 2000, logo após voltar de contusão no joelho e pouco antes do título do Campeonato Paulista.

Enquanto se recuperava, separou-se da esposa Cristina, depois de quinze anos de casamento. Nessa mesma época, depois de ser pai com apenas 17 anos, Raí foi avô aos 33. Quando voltou, ficou na reserva durante boa parte do Campeonato Brasileiro de 1999, recuperando-se gradativamente ao longo da competição.

O último gol de Raí como profissional foi em 27 de junho de 2000, diante do Palmeiras, no Palestra Itália. Sua última partida antes de se retirar dos gramados foi pouco menos de um mês depois, em 22 de julho, em uma derrota por 3 a 1 para o Sport em João Pessoa, pela Copa dos Campeões. Ele é considerado um dos jogadores mais importantes da história do clube.

SELEÇÃO NACIONAL

Pela Seleção Brasileira, entretanto, não teve tanto destaque como no São Paulo. Jogou 51 partidas pelo Brasil, marcando dezesseis gols, incluindo um de pênalti no jogo contra a Rússia pela primeira fase da Copa do Mundo FIFA de 1994, torneio em que jogou com a camisa 10. Nessa Copa, foi titular nos três primeiros jogos do time, quando também era seu capitão, posto que passou para Dunga quando saiu do time titular. Além disso, entrou no segundo tempo contra os Países Baixos, nas quartas de final, e atuou na vitória por 1 a 0 contra a Suécia, nas semifinais.

PÓS-APOSENTADORIA

Em 2005, foi um dos convidados de honra do São Paulo para acompanhar o time na disputa do Campeonato Mundial de Clubes da FIFA. Raí chegou a tempo de acompanhar o jogo do tricolor na semifinal do Mundial, realizado no Japão. O atraso deveu-se a um compromisso do ex-jogador com o governo francês, para discutir projetos da Fundação Gol de Letra. Para a surpresa de Raí, ele ainda reviveu a sua época de jogador ao participar do penúltimo treino (que também seria o último rachão do ano) do São Paulo antes da final do Mundial.

Raí em 22 de Maio de 2009, no Feirão Caixa da Casa Própria.

Atualmente, dirige uma entidade filantrópica de ajuda às crianças chamada Fundação Gol de Letra, ao lado de seu ex-companheiro de São Paulo e Paris Saint-Germain, Leonardo. Em sua entrevista ao Museu da Pessoa, comentou sobre as origens do projeto e sua participação ativa em toda a estruturação da fundação, que tem como missão promover a educação integral de crianças, adolescentes e jovens por meio do esporte e cultura.

“Eles [pessoas atendidas pela fundação] têm uma quantidade de atividades que sempre foi o nosso desejo e que a gente mantém até hoje. (...) Existe uma biblioteca comunitária, existe uma cultura de teatro, mudanças de hábito de leitura, atividades esportivas que são uma coisa saudável, uma coisa positiva socialmente. Ali, o esporte existe não só como formador de talento, mas como direito de todo cidadão.”

— Raí, Entrevista ao Museu da Pessoa

Em 2006, junto com outros atletas, criou a organização Atletas pela Cidadania, que se dedica a defender causas sociais.

No dia 7 de dezembro de 2017, foi anunciado como novo executivo de futebol do São Paulo. Deixou o cargo em 1 de fevereiro de 2021, após a demissão do treinador Fernando Diniz.

Em junho de 2024, Raí concluiu do seu mestrado em Política Pública no Instituto SciencesPo, em Paris.

no dia 12 de Julho de 2024, Raí anunciou que seria um dos condutores da tocha olímpica nas aberturas dos Jogos olímpicos de Verão 2024, que acontece em Paris.

Atividades cívico-políticas: Em 14 de novembro de 2022, Raí foi um dos especialistas designados para integrar o Grupo Técnico de Esporte do Gabinete de Transição Governamental, grupo responsável por avaliar a situação das políticas públicas no país e, então, propor soluções para eventuais problemas identificados e aperfeiçoamentos das ações existentes ao subsidiar o relatório final da Equipe de Transição Governamental 2022–2023.

ESTATÍSTICAS

• Botafogo-SP (1984–1987) 
• Partidas: 38
• Gols: 17
• AA Ponte Preta (empréstimo) (1986): 10 partidas e apenas 1 gol
• São Paulo FC (1987–1993) 
• Partidas: 313
• Gols: 113
• Paris Saint-Germain (1993–1998)
• Partidas: 223
• Gols: 79
• São Paulo FC (2) (1998–2000)
• Partidas: 82
• Gols: 15

Seleção Nacional: De 1987–1998, Raí jogou 54 partidas e marcou 17 gols.

Total: Raí jogou 666 partidas e marcou 225 Gols.

TÍTULOS

São Paulo FC:

1. Campeonato Brasileiro: 1991
2. Campeonato Paulista:
1. 1989
2. 1991
3. 1992
4. 1998
5. 2000
3. Copa Libertadores da América: 1992 e 1993
4. Copa Intercontinental: 1992

PSG:

1. Ligue 1: 1993–94
2. Copa da França: 1994–95 e 1997–98
3. Copa da Liga Francesa: 1994–95 e 1997–98
4. Supercopa da França: 1995
5. Recopa Europeia: 1995–96

Seleção Brasileira (CBF):

1. Jogos Pan-Americanos: 1987 (Ouro)
2. Copa do Mundo FIFA: 1994 (EUA)

Prêmios individuais:

1. Artilheiro do Campeonato Paulista: 1991
2. Seleção do Campeonato Paulista: 1993
3. Maior Artilheiro Internacional do Mundo pela IFFHS: 1992 (12 gols)
4. Meio-campista da "equipe ideal" do Brasil (O Estado de S.Paulo): 1992
5. Melhor jogador da Copa Intercontinental: 1992
6. Melhor jogador brasileiro (O Estado de S. Paulo): 1992
7. Melhor jogador da América do Sul (El País): 1992
8. Equipe da Europa (European Sports Media): 1995–96
9. 5.º Maior jogador do mundo: 1992 (RSSF)
10. 3.º Maior artilheiro do mundo: 1992 (IFFHS)
11. 10.º Melhor Jogador do Mundo pela FIFA: 1993 (FIFA)

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"Raí e Telê, um casamento cheio de gols e títulos", Placar número 1088, outubro de 1993, Editora Abril, pág. 58.

 Alexandre da Costa, Almanaque do São Paulo Placar, Editora Abril, 2005, pág. 430.

Valmir Storti e André Fontenelle, A História do Campeonato Paulista, Publifolha, 1996, pág. 196.

 "Presente em cada decisão", Placar número 1079, janeiro de 1993, Editora Abril, pág. 7.

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