HIP-HOP (GÊNERO MUSICAL ESTADUNIDENSE)

Foto dos rappers brasileiros X e GOG com o DJ A em 12 de novembro de 2025.

• OUTROS NOMES: Hip hop, rap, music rap
• ORIGENS ESTILÍSTICAS: Disco, funk, jazz, blues, scat singing, R&B, soul, dub, spoken word, talking blues, performance poetry
• ORIGENS CULTURAIS: Início da década de 1970; Bronx, Nova York, EUA
• INSTRUMENTOS TÍPICOS: Voz (rap, canto), toca-discos, mixer, bateria eletrônica, sampler, sequenciador, sintetizador, teclado
• FORMAS DERIVADAS: Breakbeat, Baltimore club, Beatdown hardcore, Contemporary R&B, Florida breaks, footwork, funk, ostentação, ghetto house, ghetto tech, glitch hop, grime, illbient, Latin freestyle, wonkynu metal, funk cariocare, ggaeton, alternative reggaeton, mahraganat
• SUBGÊNEROS: Hip-hop alternativo, boom bap, bounce, rap brasileiro, geek, Brooklyn drill, rap chicano, chopper, chopped and screwed, hip-hop cristão, cloud rap, comédia hip-hop, hip-hop consciente, crink, disco rap, dirty rap, drill, hip-hop da Costa Leste, hip-hop experimental, frat rap, freestyle rap, funk carioca, G-funk, angsta rap, hardcore hip-hop, hipster hop, horror core, hyphy, instrumental hip-hop, jerk hexd, hip-hop judaico, jerk rap, hip-hop latino, trap latino, lofi hip-hop, lowend, rap de Memphis, Miami bass, mumble rap, nerd core, phonk plugg (pluggnb), hip-hop político, progressivo rap, rage, road rap, cam raps, snappsi gil kore, hip-hop do Sul, tread trap, turntablism, UK drill, hip-hop da Costa Oeste
• GÊNEROS DE FUSÃO: Country rap, electro, chap hop, emo rap, hip-hop soul, neo soul, digico reglitch core, hip house, crunk core industrial hip-hop jazz rap new jack swing psychodelic pop rap punk rap (rapcore) ragga hip-hop rap operar rap rock (rap metal), trap metal trip hop
• CENAS REGIONAIS: African hip-hop, Asian hip-hop, Australian hip-hop, European Hip-hop, Hip-hop latino, Hip-hop do Oriente Médio
• CENAS LOCAIS: Hip-hop do Meio-Oeste, Hip-hop do Sul, Hip-hop da Costa Leste, Hip-hop da Costa Oeste
• OUTROS TÓPICOS: Hip-hop old-school, Hip-hop new-school, Hip-hop da era de ouro, Hip-hop underground, Rap da internet, Rap do SoundCloud

O hip-hop (também conhecido como rap music ou simplesmente rap) é um gênero de música popular que surgiu no início da década de 1970, juntamente com uma subcultura associada na cidade de Nova York. O estilo musical é caracterizado pela síntese de uma ampla gama de técnicas, mas o rap é tão frequente que se tornou uma característica definidora. Outros marcadores importantes do gênero são o disc jockey (DJ), o turntablismo, o scratching, o beatboxing e as faixas instrumentais. O intercâmbio cultural sempre foi central para o gênero hip-hop; ele simultaneamente se apropria de seu ambiente social ao mesmo tempo que o comenta.

ETIMOLOGIA

"Hip-hop" é usado desde o século XVII para significar uma sucessão de saltos. Na peça de George Villiers de 1671, The Rehearsal, o Príncipe Volscius sai de cena desajeitadamente com uma bota calçada e a outra descalça. O diretor da cena exclama: "sair com um hip hop, hip hop, nesta ocasião, é mil vezes melhor do que qualquer conclusão no mundo".

Uma variação comum de "hip hop" é "hippity hop", que era amplamente utilizada no século XIX. Aparece em obras como um poema de 1882 onde quatro crianças cantam: "Hippity hop para a loja de doces!" Era um refrão comum em jogos de pular corda.

Muitos passos de dança incluem um salto. No século XVIII, "salto" começou a ser usado indistintamente com "dança" como substantivo e verbo.

Foto promocional do grupo de hip-hop Grandmaster Flash and The Furious Five. Distribuída em 14 de abril de 1982 pela Sugarhill Records.

Uso: Um dos primeiros usos de "hip hop" na música popular gravada é encontrado na canção de dança de 1963 dos Dovells, "You Can't Sit Down", "...you gotta slop, bop, flip flop, hip hop, never stop". Uma década depois, os DJs de disco recheavam seus sets com exortações à multidão, razão pela qual o estilo emergente era originalmente conhecido como "disco rap". Um dos cânticos do DJ Hollywood era "hip hop de hippy hop the body rock".  Lovebug Starsky lembra-se de ter originado a frase quando errou a transição entre discos: "Peguei o microfone e comecei a dizer 'a hip hop, hip hop, de hibbyhibbyhibbyhibby hop'", reivindicando o crédito pela invenção do nome em 1979.

Em outra versão da história de Starsky, ele cunhou o termo "hip-hop" com Keef Cowboy, do Grandmaster Flash and the Furious Five, enquanto trocavam farpas com um amigo que estava indo para o Exército. Kidd Creole relembra a cena sem a presença de Lovebug: "Cowboy estava no microfone brincando com aquela cadência do Exército: Hip/Hop/Hip/Hop... A Disco era o auge na época, e a galera da Disco se referia a nós como 'Hip Hoppers', mas eles usavam o termo de forma pejorativa. Mas Cowboy foi o primeiro que eu ouvi fazer isso com a música, como parte da reação do público."

A frase era de uso comum na época em que o Sugarhill Gang gravou "Rapper's Delight" em 1979. O refrão começa: "Eu disse um hip-hop, o hippie, o hippie/Para o hip, hip-hop e você não para de rockar".

No início da década de 1980, a definição de hip-hop expandiu-se para "o termo abrangente para a subcultura de rua que inclui rap, break, grafite e o uso de roupas de grife". Afrika Bambaataa foi fundamental para transformar o termo em uma força positiva por meio de sua Universal Zulu Nation.  Seu movimento social era antidrogas e antiviolência.

À medida que os rappers começaram a dominar o hip-hop, os termos tornaram-se sinônimos. No entanto, a definição de hip-hop sempre se aplicou a toda a sua cultura. Seus quatro elementos principais incluem rap, discotecagem, breakdance e arte de rua.  O conhecimento é às vezes descrito como um quinto elemento, ressaltando seu papel na formação de valores e na promoção do empoderamento e da conscientização por meio da música.

KRS-One identificou elementos adicionais: autoexpressão, moda de rua, linguagem de rua, conhecimento de rua e empreendedorismo de rua. Ele também reconheceu o salto duplo holandês feminino como um componente estilístico chave do breakdance.

Além de se apropriar da cultura, o hip-hop simultaneamente a comenta. Das suas raízes no Bronx ao seu atual alcance global, o hip-hop tem servido como uma voz para os marginalizados, lançando luz sobre questões como a desigualdade racial, a pobreza e a brutalidade policial.

CONTEXTO HISTÓRICO

Conjunto de toca-discos Technics 1200 com um mixer Vestax PMC-06 Pro A, usado para turntablismo. Foto tirada em 21 de fevereiro de 2004.

O meio inicial do hip-hop foi o toca-discos. Os discos de vinil eram a principal fonte para os DJs que reelaboravam músicas, transformando-as em material novo para dançar. O processo ecoava a apropriação de estilos que criou o jazz décadas antes. Os gêneros que o hip-hop assimilou inicialmente eram variados, mas suas principais fontes foram os discos de disco e funk.

Em nenhum lugar essa polinização cruzada de músicas foi melhor exemplificada do que na ilha caribenha da Jamaica, onde os sinais de rádio AM de Miami, Flórida, eram audíveis. No final da década de 1950, as estações americanas tocavam música rhythm and blues muito mais revigorante do que a BBC, que era distribuída pelo único canal de rádio da ilha, a Jamaica Broadcasting Corporation.  DJs americanos como Jocko Henderson e Jockey Jack introduziram discos de R&B e a gíria jamaicana na ilha. DJs locais logo começaram a montar sistemas de som para festas ao ar livre. Uma cena musical vibrante surgiu. A gíria dos DJs americanos se transformou em brindes em crioulo jamaicano.

A gíria popularizou as estações de rádio voltadas para o público negro no período pós-guerra. Seus duplos sentidos foram uma dádiva para o rádio, revitalizando a audiência de emissoras em declínio. Ela surgiu de tradições como chamada e resposta, signifyin', the dozens , capping e poesia jazz. A transição da tradição oral para as ondas de rádio comerciais foi exemplificada por DJs da WDIA, como Nat D. e Rufus Thomas . Seu estilo de falar no ar foi aprimorado durante suas funções como apresentadores na Noite dos Amadores do Palace Theatre, na Beale Street, em Memphis, Tennessee. DJs como Al Benson, de Chicago (WJJD), Doctor Hep Cat, de Austin (KVET), e Jockey Jack, de Atlanta (WERD), falavam o mesmo estilo de rap rimado e cadenciado. Eles poderiam apresentar um grande músico como: "Aqui está um cara que vai te fazer mudar da periferia da cidade porque ele respira gás natural... então relaxe e ouça um cara realmente incrível que carregou sua caixa de conhecimento na casa dos justos e pode soprar." Muitos DJs brancos, como John R Richbourg na WLAC de Nashville, imitavam a gíria sulista e o dialeto coloquial, e trocaram a música swing por blues e bebop. Os rappers de gíria do rádio dos anos 1950 inspiraram comediantes musicais como Rudy Ray Moore, Pigmeat Markham e Blowfly, juntamente com o cantor de soul James Brown . Eles foram chamados de "padrinhos" da música hip-hop.

A fala rítmica do rap é uma prática antiga, codificada inicialmente pelos gregos. Na música ocidental do século XX, foi uma prática amplamente utilizada em tudo, desde o sprechstimme até o talking blues. As raízes do rap na música afro-americana são facilmente rastreadas até os griôs na cultura da África Ocidental. Bo Diddley fez vários discos de spoken word influentes, e a canção "Noah" do grupo gospel THE JUBALAIRES, de 1946, é frequentemente vista como precursora do rap. Outros discos de spoken word notáveis foram I Am the Greatest (1963), de Muhammad Ali, e "Here Comes the Judge" (1968), de Pigmeat Markham. O estilo de Ali teve uma enorme influência no hip-hop. Ele era conhecido como um "trapaceiro rimador" devido à maneira peculiar como entregava suas bravatas, provocações e frases inesquecíveis. Muitos de seus monólogos eram improvisações freestyle que se tornariam uma habilidade vital para os rappers de hip-hop da velha guarda.

Na cidade de Nova Iorque, a poesia falada de artistas como The Last Poets , Jalal Mansur Nuriddin e Gil Scott-Heron teve um impacto significativo na era pós-direitos civis. Eles ajudaram a estabelecer o ambiente cultural no qual a música hip-hop foi criada.

Durante esses anos de proto-rap na América, a música jamaicana apresentava regularmente discos falados como "Righteous Ruler" de U-Roy e Peter Tosh e "Fire Corner" de King Stitt em 1969.  Os DJs jamaicanos também remixavam muito as gravações para gerar novos sons. Duke Reid comandava seu sistema de som, mexendo nos botões até que o disco que estava tocando se tornasse irreconhecível. No estúdio, artistas como King Tubby removiam os vocais dos discos para criar uma nova versão. O interesse do público por esses remixes tornou-se tão grande que singles foram lançados com a versão original de um lado e a "versão" do outro. A mistura eclética de técnicas de produção ficou conhecida como dub music, e é o precedente artístico mais forte para o hip-hop.

NASCIMENTO DO HIP-HOP (1973–1979)

Na década de 1970, o Bronx foi dividido ao meio pela Cross Bronx Expressway. A construção acelerou a "fuga branca" do bairro e concentrou moradores afro-americanos, latino-americanos e caribenhos de baixa renda na metade sul do distrito. Essa enorme comunidade multiétnica da classe trabalhadora é onde nasceu o hip-hop. As tradições dessas etnias influenciaram o gênero emergente.  Como toda música, o hip-hop refletiu as realidades sociais, econômicas e políticas de seus criadores, que às vezes eram marginalizados e excluídos.

O gênero dominante da época era a disco. Até mesmo as estações de rádio voltadas para o público negro tocavam sucessos da disco, visando um público suburbano maior. A maneira como a Europa despojou o funk e a disco da essência negra e os simplificou tornou-se alvo de paródia na comunidade negra. George Clinton satirizou impiedosamente isso como "A Síndrome do Placebo" em sua mitologia do P-Funk.  Mesmo que a disco tenha dado origem ao hip-hop, grande parte do espírito inicial do gênero era uma rebelião contra sua origem. O hip-hop primeiro teve que herdar o rico acervo de técnicas de estúdio e de DJ que a disco inovou.

DJ Kool Herc com James Brown em um single, dois homens importantes. Foto tirada em 1999.

Tornou-se moda entre os dançarinos usar a pausa instrumental de uma música para exibir seus melhores movimentos. Alguns até adiavam a dança até que a pausa na música começasse. A prática ficou conhecida como "breakdance" e aumentou a demanda por breaks que os DJs logo forneceriam. Esses dançarinos ficaram conhecidos como "B-girls" e "B-boys". "B" podia ser abreviação de "break", "beat", "battle" ou "Bronx", dependendo de quem o usava.

Um dos clubes mais populares era o Plaza Tunnel, no subsolo do Hotel Concourse Plaza, onde o DJ John Brown reinava. Para manter as pessoas animadas, ele mixava uma grande variedade de músicas, como "It's Just Begun" do Jimmy Castor Bunch, "Get Into Something" dos Isley Brothers, "Moment of Truth" do Earth, Wind & Fire, "Get Ready" do Rare Earth, "Maggie" do Redbone e " I'm a Man " do Chicago.

Os breakdancers valorizavam a originalidade. Eles criavam movimentos característicos que outros breakers apenas imitavam para superá-los. A ênfase na criatividade estendia-se aos DJs que batalhavam entre si. Eles até replicavam a prática jamaicana de remover os rótulos dos discos para manter seus breaks em segredo de outros DJs. Muitos dos primeiros DJs de hip-hop eram imigrantes do Caribe. As técnicas que eles usavam para gerar novo material a partir de discos de vinil existentes eram familiares à música dub jamaicana. O hip-hop começou a desenvolver seu próprio código moral que valorizava a verdade e a engenhosidade em detrimento da mera imitação.

DJs descobriram que certos breaks eram extremamente populares em discos como "Listen To Me" de Baby Huey, "Give It Up or Turnit a Loose" de James Brown, "Son of Scorpio" de Dennis Coffey, "Bra" de Cymande, "Funky Music Is the Thing" de Dynamic Corvettes, "Fruit Song" de Jeannie Reynolds, bem como "Apache" e "Bongo Rock" da Incredible Bongo Band.  DJ Kool Herc descobriu uma maneira de prolongar esses breaks fazendo um crossfade entre duas cópias do mesmo disco. A fama inicial de Herc veio de seu sistema de som, que contava com um amplificador McIntosh Laboratory e duas colunas de alto-falantes Shure. Ele o apelidou de "The Herculords", e isso lhe rendeu uma enorme legião de fãs.

DJ Hypnotize e Baby Cee tocando no Flickr por -sa imagem em 27 de março de 2007, 22:04:05.

Seu método de tocar breaks era extremamente rudimentar, no entanto. Herc simplesmente estimava onde o break estava enquanto tentava estendê-lo. Frequentemente, ele tinha que falar por cima da transição, pois os breaks não coincidiam. Foram DJs como Grand Wizzard Theodore, Jazzy Jay e Grandmaster Flash que aperfeiçoaram o truque. Eles desenvolveram uma técnica conhecida como "needle drop", posicionando os breaks com precisão nos fones de ouvido para criar uma transição perfeita entre os dois toca-discos. Assim que o primeiro break terminava, eles faziam um crossfade para o segundo toca-discos, que estava posicionado no início do break. Enquanto o segundo disco tocava, eles giravam o primeiro disco ao contrário até o início do break e faziam o crossfade para ele quando o segundo break terminasse. Esse método permitia que um break fosse prolongado indefinidamente. Esses breaks estendidos ficaram conhecidos como "breakbeat". Quando um disco em reprodução é invertido, o som é distorcido. O efeito tornou-se moda e eventualmente evoluiu para a técnica hip-hop conhecida como "scratching".

Festas de quarteirão: Fora das discotecas, a maior incubadora do hip-hop eram as festas de rua. Os DJs ligavam os seus sistemas de som aos postes de luz. Um anfitrião proeminente destas festas no início da década de 1970 foi o Rei da Disco, Mario. Como líder dos Black Spades dos Bronxdale Houses, Mario contava com a gangue para proteger os seus eventos.

Kool Herc começou a estender os intervalos em uma festa de aluguel de volta às aulas que sua irmã Cindy Campbell organizou na sala de recreação do prédio onde moravam, no número 1520 da Avenida Sedgwick, no lado sudoeste do Bronx. A data da festa, 11 de agosto de 1973, foi agressivamente divulgada como o "Nascimento do Hip-Hop". Os Campbells emigraram da Jamaica quando Herc tinha 12 anos. Inicialmente, Herc negou qualquer conexão entre a cena musical jamaicana e seu trabalho. Mais tarde, ele reconheceu os paralelos.

Foto da fachada do número 1520 da Avenida Sedgwick, no Bronx Ocidental. Kool Herc, geralmente considerado o criador do hip-hop, morou e deu suas primeiras festas neste prédio. Foto de 21 de Julho de 2009.

O estilo de Kool Herc atraiu seguidores que ultrapassaram os limites da sala de recreação, e ele se juntou à próspera cena das festas de rua. Essas festas eram uma válvula de escape para os adolescentes, onde "em vez de se meterem em encrenca nas ruas, os jovens agora tinham um lugar para gastar sua energia reprimida". Tony Tone, membro dos Cold Crush Brothers , afirmou que "o hip hop salvou muitas vidas". Para os jovens da periferia, participar da cultura hip hop tornou-se uma forma de lidar com as dificuldades da vida como minorias nos Estados Unidos e uma válvula de escape para lidar com o risco de violência e a ascensão da cultura de gangues. MC Kid Lucky menciona que "as pessoas costumavam dançar break umas contra as outras em vez de brigar".

Um evento típico de hip-hop era um show triplo com DJ, MC e dançarinos de break. Artistas de grafite decoravam o palco e criavam flyers e pôsteres.  Grande parte do grafite, do rap e do b-boying nessas festas eram variações artísticas da rivalidade entre gangues de rua. Percebendo que os impulsos frequentemente violentos dos membros de gangues poderiam ser transformados em impulsos criativos, Afrika Bambaataa fundou a Zulu Nation, uma confederação informal de grupos de dança de rua, artistas de grafite e músicos de rap. O Rock Steady Crew era um grupo de dançarinos de break que incluía membros de Porto Rico.

Durante o apagão de Nova York em 1977, os equipamentos de DJs foram amplamente saqueados devido à popularidade do gênero emergente. Kool Herc recorda: "No dia seguinte, havia mil novos DJs." Em 1978, a revista Billboard notou a popularidade dos "B-beats" no Bronx.

Rap: O hip-hop evoluiu sem o rap como requisito do gênero, mas os dois termos tornaram-se funcionalmente sinônimos. Os DJs de hip-hop continuaram a prática dos DJs de disco de fazer rap intermitentemente com a multidão. À medida que suas funções se tornaram mais complexas, um mestre de cerimônias (MC) estava frequentemente presente para apresentar o DJ e animar a multidão.

Kool Herc descobriu que os brindes jamaicanos não repercutiam entre os dançarinos. Ele e Coke La Rock desenvolveram um estilo de rap influente sobre suas batidas funk. Os MCs se baseavam em cânticos de chamada e resposta e, eventualmente, desenvolveram rotinas mais sofisticadas. Assim como outros praticantes do hip-hop, os MCs se esforçavam para se destacar com sua criatividade e competitividade.

Assim como muitas das melhores dançarinas de break eram mulheres, o nascimento do hip-hop incluiu rappers femininas como MC Sha-Rock , do Funky 4 + 1. Mercedes Ladies , formado no Bronx em 1976, foi o primeiro grupo totalmente feminino com uma DJ. A Sugar Hill Records contratou The Sequence, um trio que incluía Angie Stone. Seu single "Funk You Up" foi o primeiro sucesso de hip-hop de um grupo totalmente feminino.

Muitas vezes, essas eram colaborações entre antigas gangues, como a Universal Zulu Nation de Afrika Bambaataa — agora uma organização internacional. Melle Mel, um rapper do Furious Five , é frequentemente creditado como o primeiro letrista de rap a se autodenominar "MC".

Embora alguns MCs tenham gravado projetos solo notáveis no início, como DJ Hollywood, Kurtis Blow e Spoonie Gee, a frequência de artistas solo só aumentou mais tarde com a ascensão de solistas com presença de palco e drama, como LL Cool J. A maior parte do hip-hop inicial era dominada por grupos onde a colaboração entre os membros era essencial para o espetáculo. O primeiro artista de hip-hop a aparecer na televisão nacional foi o grupo Funky 4 + 1, que se apresentou no Saturday Night Live em 1981.

Gravações antigas: Durante seus primeiros anos, o hip-hop foi um gênero musical ao vivo. Em 1977, fitas piratas feitas a partir das mesas de som de DJs de hip-hop estavam circulando fora da cidade de Nova York. A primeira gravação dub, também conhecida como "mixed plate", foi lançada por DJ Disco Wiz e Grandmaster Caz.

1979–1983: Fim da velha guarda

Primeiras gravações comerciais

O período de 1973 a 1983 é conhecido como " hip-hop old-school ". [ 97 ] No final desse período, o gênero começou a ganhar popularidade. [ 24 ] : 127ff  Em março de 1979, a Fatback Band lançou "You're My Candy Sweet" como single. O lado B chamava-se " King Tim III (Personality Jock) " e é geralmente considerado a primeira música de rap lançada comercialmente. [ 98 ] [ 99 ] : 81 

A Gangue Sugarhill , 2016

Três meses depois, o Chic lançou " Good Times ". A música alcançou o primeiro lugar nas paradas em 18 de agosto e rapidamente se tornou uma das favoritas dos rappers. Conforme subia nas paradas pop em 2 de agosto, Sylvia Robinson , cantora e dona da Sugar Hill Records , contratou uma banda para recriar "Good Times" em estúdio. Buscando capitalizar a tendência do hip-hop, Robinson reuniu o Sugarhill Gang para fazer rap sobre a instrumental. [ 24 ] : 132  Eles reciclaram frases de outros rappers, como The Cold Crush Brothers . [ 99 ] : 81  A faixa, lançada como " Rapper's Delight ", foi um single Top 40 , e o que havia se tornado antiquado no Bronx explodiu em popularidade em todo o país. A chegada das gravações de hip-hop mainstream foi descrita como "A Primeira Morte do Hip-Hop". [ 24 ] : 127ff 

Outro dos primeiros discos de rap, de um artista da cena disco, foi a faixa "Rap-O Clap-O" de Joe Bataan, de 1979. Bataan já havia alcançado popularidade na comunidade latina graças à sua mistura única de boogaloo, salsa e soul, e a música se tornou um sucesso na Europa. [ 100 ] [ 101 ] [ 102 ]

Um dos compositores de "Good Times", Nile Rodgers, teve contato com o hip-hop em 1978, quando Debbie Harry e Chris Stein, do Blondie, o levaram a um show. [ 103 ] Rodgers e seu co-compositor Bernard Edwards processaram a Sugar Hill Records por violação de direitos autorais e ganharam crédito de composição em "Rapper's Delight". [ 104 ]

Em 1971, um vereador apelidou Filadélfia de "A Capital Mundial do Grafite". [ 105 ] Foi um dos primeiros centros de hip-hop fora de Nova Iorque e, em 1979, gravações de hip-hop como "Rhythm Talk" de Jocko Henderson e "To the Beat, Y'all" de Lady B estavam surgindo na cidade. [ 106 ]

A Mercury Records foi a primeira grande gravadora a contratar um rapper. Em 1979, lançaram "Christmas Rappin'", de Kurtis Blow , que vendeu 400.000 cópias. [ 59 ] : 191  A canção alcançou o 30º lugar na parada de singles do Reino Unido em 15 de dezembro daquele ano e tornou-se um clássico natalino. [ 107 ] Em 1980, " The Breaks " (1980), de Blow, foi o primeiro single de hip-hop a receber certificação de ouro . [ 108 ] [ 59 ] : 191 

Diversificação de estilos

Mais informações: Lista de gêneros de hip-hop

O Roland TR-808 Rhythm Composer

À medida que o hip-hop se tornou popular, também se tornou extremamente eclético. Parte dessa evolução foi possibilitada pela tecnologia. A década de 1980 viu a miniaturização da tecnologia de gravação, tornando samplers, sintetizadores e baterias eletrônicas acessíveis. Dispositivos como o Akai MPC 2000, o Linn 9000 e a bateria eletrônica Roland TR-808 tornaram-se ferramentas adoradas pelos criadores de hip-hop. [ 109 ]

Em 1980, a Roland Corporation lançou a TR-808 Rhythm Composer. Foi uma das primeiras baterias eletrônicas programáveis , com a qual os usuários podiam criar seus próprios ritmos em vez de usar padrões predefinidos. Embora tenha sido um fracasso comercial, ao longo da década a 808 atraiu um público fiel entre os músicos underground por seu preço acessível no mercado de usados, facilidade de uso e sons peculiares, particularmente seu bumbo profundo e "estrondoso" . [ 110 ] [ 111 ] [ 112 ] Popularizada por sucessos como " Sexual Healing " de Marvin Gaye , tornou-se uma pedra angular dos gêneros emergentes de música eletrônica, dance e hip-hop. [ 113 ] A 808 acabou sendo usada em mais discos de sucesso do que qualquer outra bateria eletrônica. Sua popularidade, especialmente no hip-hop, a tornou uma das invenções mais influentes da música popular, comparável à influência da Fender Stratocaster no rock. [ 114 ]

Grande Mestre Flash

" The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel " (1981), de Grandmaster Flash, tipificou a diversificação do hip-hop na nova década. O single consiste inteiramente em faixas sampleadas. [ 115 ] O hip-hop e a música eletrônica de dança foram fundidos em canções como " Planet Rock " (1982) , de Afrika Bambaataa & Soulsonic Force . Bambaataa foi inspirado por "Riot in Lagos", de Ryuichi Sakamoto . [ 116 ] Ele incorporou elementos de " Trans-Europe Express " e "Numbers", do Kraftwerk . "Planet Rock" ajudou a dar origem à música eletrônica , que incluiu canções como "Play at Your Own Risk" (1982), do Planet Patrol , e "One More Shot" (1982), do C Bank. [ 117 ] Essa fusão frequentemente se sobrepunha ao afrofuturismo em canções como " Nunk " e " Light Years Away ", do Warp 9 . [ 118 ] [ 119 ] O Electro ajudou a espalhar o hip-hop para além da América, quando DJs do Reino Unido como Greg Wilson começaram a tocar discos como "Planet Rock", "ET Boogie" de Extra T e "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" de Man Parrish.

À medida que o rap amadureceu, letras metafóricas sobre uma gama mais ampla de assuntos levaram o estilo além das bravatas e cânticos da velha guarda. O influente single " The Message " (1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five, com seu foco na miséria dos conjuntos habitacionais, foi uma força pioneira para o rap politicamente consciente. O hip-hop continuou na tradição do rock and roll, indignando os conservadores que temiam romantizar a violência e a transgressão da lei.

Gravadoras independentes como Tommy Boy , Prism Records e Profile Records obtiveram sucesso no início da década de 1980, lançando discos em ritmo frenético em resposta à demanda gerada por estações de rádio locais e DJs de clubes. Produtores como Arthur Baker , John Robie , Lotti Golden e Richard Scher impulsionaram o gênero em novas direções. [ 123 ] Alguns rappers eventualmente se tornaram artistas pop de sucesso. As músicas " Rapture ", da Blondie , e " Christmas Wrapping ", da banda new wave The Waitresses, ambas de 1981, estiveram entre as primeiras canções pop a usar rap.

O breakdance permaneceu na vanguarda do hip-hop mundial. Grupos de breakdance como Black Noise e Prophets of Da City, na África do Sul, ajudaram a difundir o gênero. Eles reconheceram as conexões na diáspora africana entre práticas como o breakdance e a capoeira. O músico e apresentador Sidney tornou-se o primeiro apresentador de TV negro da França com seu programa HIPHOP, de 1984, na TF1. A Rádio Nova ajudou a lançar outras estrelas do hip-hop francês, incluindo Dee Nasty. Junto com seu programa de rádio, suas compilações Rapattitude e o álbum Paname City Rappin', de 1984, popularizaram o hip-hop no país. O hip-hop chegou ao Japão em 1982, quando o DJ Hiroshi Fujiwara começou a tocá-lo em clubes de dança.

1983–1986: ASCENSÃO DA VANGUARDISTA

1986–1997: Era de ouro

1997–2007: Era do brilho

2007–2014: Era dos blogs

2014–presente: Era do streaming

Música hip-hop mundial

FONTES: "15 Years of Hip Hop: The Ultimate History", Vibe. December/January 1994/5. 66–81.

Polfuß, Jonas "Hip-hop: a Marketplace Icon", Consumption Markets & Culture, volume 3, no. 25. 25. June 2022. 272–286.

Dyson, Michael Eric. Know What I Mean?: Reflections on Hip-Hop. Basic Books, 2007.

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Kitwana, Bakari. "The State of the Hip-hop Generation: How hip-hop's cultural movement is evolving into political power." Diogenes, vol. 51, no. 3, Aug. 2004.

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